Toni Thorimbert: The blog behind the images.

Style magazine: "Uomini di colore"

2012-01-22T20:24:00.007+01:00

Il problema qui era non prendersi troppo sul serio. Voglio dire, quanti lettori di Style, mensile di moda e lifestyle allegato al Corriere della Sera, si vestiranno con un completo di lamè decorato a fiorelloni che per di più costa una fucilata ? Però, la moda è anche questo, e quindi, con Alessandro Calascibetta abbiamo immaginato un ragazzotto - molto ricco - e molto viziato che, con aria perennemente imbronciata, si specchia in un IPad, si fa phonare il ciuffo da una top model e si fa reggere il telefonino da una guardia del corpo.

Qui sotto il backstage scattato da Giorgio Serinelli.

Qui sotto il video dal backstage:

Style magazine
January Issue.
"Uomini di colore"

Styled by Alessandro Calascibetta assisted by Andrea Porro.
Photographed by Toni Thorimbert

Hair: Luca Lazzaro
Makeup: Silvana Belli.

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Poker: Lucchini> Cassarà> Thorimbert> Zorat. The exhibition opening: Wednesday 18 Jan 2012 at the MyOwnGallery, Milano.

2012-01-13T22:36:00.011+01:00

Flavio Lucchini è stato il mio direttore e art director a Donna, a Mondo Uomo. Ma lui ha creato, nell’editoria, quasi tutto: Ha progettato Amica nel 1962, nel 1965 ha lanciato Vogue Italia e creato L’Uomo Vogue, Casa Vogue, Vogue Bambini, Glamour, il Lei. Ha fondato l’Art Directors Club di Milano. Nel 1980, con Gisella Borioli crea l’Edimoda, casa editrice che pubblicherà appunto Donna e Mondo Uomo. E ancora, insieme immagineranno – compreranno, ristruttureranno il mitico Superstudio. Insomma dai, tanta roba. Poi, tornato in Condè Nast, era al top. ha mollato tutto per fare l’artista. bello. Aveva uno studio totalmente off limits in cortile al Superstudio. Passavo di lì e pensavo “chissà che diavolo sta facendo” Ha lavorato blindato per 15 anni. Poi è uscito, ha fatto le sue mostre, i libri. Tostissimo.
Come tutti i grandi direttori diceva cose spesso incomprensibili. Era avanti. Andavano interpretate. Magari ti convocava in ufficio e ti diceva: “ in questo servizio il modello dovrebbe giocare con mazzo di chiavi, tirarlo in aria” Noi uscivamo scuotendo la testa, cercando di capire come fare a fare una foto di uno che gioca con le chiavi senza assolutamete fare una foto di uno che gioca con le chiavi.
Sarà molto bello fare questa mostra insieme, credo. Un onore, sicuramente.

Flavio Lucchini photographed by Toni Thorimbert for Amica, 1981.

Flavio Lucchini

Paolo Cassarà

Maurizio Zorat.

Toni Thorimbert.

Qui sotto il comunicato stampa della mostra:

Da un lato la Donna.
Che l’abito rende oggetto-soggetto di seduzione.
Dall’altro quattro artisti che la vita ha legato nel cammino della professione e che sono approdati, con tempi modi e linguaggi diversi, alla ricerca artistica.
Un poker di creativi affini nella comune attenzione alla moda.
Il “maestro” e i più giovani “allievi”.
Flavio Lucchini e Maurizio Zorat, Toni Thorimbert, Paolo Cassarà.
Il grande art-director e il grafico, il fotografo, l’assistente-scultore si sono incrociati in redazione o in atelier, nella “fabbrica” dove nascevano le riviste patinate, nei laboratori che traducevano i vestiti in icone del nostro tempo. Praticando il mestiere hanno affinato le antenne della percezione, sensibilità e osservazione, sentendo l’urgenza di altre espressioni da quelle che il mercato loro chiedeva.
Oggi sono professionisti arrivati e artisti affermati con storie significative alle spalle. Per la prima volta si ritrovano insieme in galleria, condividendo la passione per l’arte. Realizzano opere diversissime, eppure li unisce un atteggiamento elegante, una sottile ironia, una visione neo-pop, una disincantata naturalezza, sia che si cimentino con opere monumentali o sculturine, illustrazioni digitali o foto d’autore.

POKER sublima la storia di questi incontri, dell’empatia sedimentata in ciascuno di loro, pronti a rispondere all’appello di una mostra in comune, che nulla più vuole essere che il racconto di umani rapporti duraturi nel tempo e capaci di generare molto altro che scambi di reciproca utilità.

POKER

Flavio Lucchini
Paolo Cassarà
Toni Thorimbert
Maurizio Zorat.

18 january - 29 february 2012

MyOwnGallery
Via Tortona 27, Milano
Cocktail vernissage: 18 january 2012 - 06 PM

Communication and press office: +390242250144

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The selfportrait of 2012.

2012-01-08T11:34:00.009+01:00

Il primo di Gennaio di ogni anno è il mio compleanno.

In Thailandia, quando piove, piove veramente di brutto. Così il primo Gennaio mi sono trovato un pò annoiato chiuso in un albergo a Samui.
Mi sono ricordato che l'anno scorso avevo fatto un autoritratto per il blog, così mi sono messo all'opera, sottovalutando come sempre la faccenda.
Ne ho scattate centinaia, giuro.
Alcune erano piuttosto fighe: il mio profilo migliore, sguardo alla Lapo Elkann, filo di mosso, tatuaggio che si intravede. Ma...insomma, dai... il punto non era quello.
Così è passato l'uno - di Gennaio - e il due e il tre, e ogni giorno provavo qualche soluzione. Con flash, senza flash, col telefonino. Ad un certo punto, idea geniale, me ne sono scattate un pò guidando il motorino sotto la pioggia.
Mi sentivo un pò idiota mentre lo facevo, e infatti lo sembravo.
Poi a Bangkok, nuovo albergo. In bagno un grande specchio a V. Immagine del Thorimbert moltiplicata.

Alla fine ho scelto quella che pubblico qui sotto. Non è il mio profilo migliore e non la definirei una bella foto: la luce non è granchè e il setting piuttosto banale, ma almeno è onesta. Mi ci riconosco.
Forse perchè la foto mi ritrae proprio nel tentativo di far combaciare l'immagine che ho di me con quello che io "sento" di me, e con l'immagine che la fotografia - come fosse un terzo incomodo - restituisce di me.

Toni Thorimbert photographed by Toni Thorimbert, Bangkok, 5/1/2012.

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Xmas presents!

2011-12-24T12:42:00.016+01:00

Regali di Natale, più o meno.
Legati alla fotografia. Più o meno.
Gli amici sono una grande ricchezza, forse l'unica vera.

Questo per esempio è davvero bellissimo, del 1969. Una chicca. Me lo ha portato Silvia Meneguzzo, la mia adorata redattrice. Lei mi regala continuamente ispirazioni, immagini, pensieri sulla moda, sull'arte, sulla fotografia.
Qualche tempo fa mi ha portato questo straordinario volume su Enrico Baj, artista, anarchico, surrealista. Le foto e il layout sono di Giorgio Colombo, il suo lavoro sul mondo dell'arte contemporanea è di una qualità e vastità incredibile.

"Bisogna saper perdere, non sempre si può vincere" cantavano i Rokes, negli anni settanta: Qui sotto una mia foto di Enrico Baj del 1982 alla Galleria Marconi a Milano.

Altro regalo che mi ha veramente comosso: Un giorno di questi è arrivato in studio un pacchettino da Chico De Luigi. Bho?, apro: un libretto di William Klein.

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Dedicato a me!

Klein è stato davvero il mio mito! Anche se dal vero non lo trovai molto simpatico. Mi ricordo un'intervista a Parigi, a casa sua. Secondo me se la tirava veramente troppo, (o forse io speravo che mi avrebbe - che so - adottato, e naturalmente non lo fece) Questo può succedere: Alle volte i propri miti sarebbe meglio non conoscerli di persona...

Coincidenze: Qui sotto, in una foto di Giovanna Calvenzi, Klein ed io alla fine degli anni settanta agli incontri di fotografia di Arles

E qui, a Paris Photo, Klein con Chico De Luigi (nella sua brillante interpretazione di Terry Richardson) scattato da Davide Farabegoli. Grazie grazie grazie!

Oh...a proposito di miti...qui un'altro capitolo, ma bellissimo. La faccenda è lunga ma vorrei provare a raccontarla.
Claudio Rocchi mi manda in regalo un suo libro. tiratura limitatissima, 50 esemplari. In copertina c'è una mia foto che gli ho scattato questa estate a Roma.

dentro ci sono i suoi testi, disegni, racconti.

Ma chi è Claudio Rocchi? Tante cose. Per me un pezzo importante della mia vita, e sopratutto della mia adolescenza. Lui cantava, e canta ancora adesso. Benissimo. Ma negli anni settanta Rocchi era, per noi hippies di periferia un mito. Conduceva una trasmissione sulla radio nazionale (non c'erano le "radio libere"come all'inizio si sarebbero chiamate)
Iniziava la trasmissione sempre allo stesso modo: "Ciao, sono Claudio Rocchi", con la sua voce caldissima e suadente.
Metteva la nostra musica, parlava delle nostre cose e del nostro - nuovo - modo di concepire la vita. "Ciao sono Claudio Rocchi" era diventato, nella nostra compagnia il modo in cui ci salutavamo. Avevamo tutti preso il suo nome. Eravamo hippies, capelli lunghi, ma anche malavitati, alcuni pesanti.
Un mio amico, lui era fantastico, molto simpatico, fece una rapina in banca con alcuni complici. Lui guidava. Avevano rubato un'auto ma,in preda a chissà quale droga, decise che di quella macchina lì non si fidava e la mattina della rapina prese la sua alfetta scassata. Rapina finita maluccio, qualche sparo, fortunatamente a vuoto, e fuga.
Al pomeriggio i carabinieri andarono a prenderlo direttamente a casa.
In attesa di processo, i "grandi" della compagnia andarono a San Vittore a trovarlo. Al ritorno, noi: "Allora? come sta?" "Mah...bene" dicono loro, quando siamo arrivati in parlatoio è entrato e ha detto " Ciao ragazzi, sono Claudio Rocchi". Tanto per dire come stavamo messi.

Tanti tanti anni dopo, la storia sarebbe lunga, il destino ci ha fatto incontrare e mi ha regalato la sua amicizia.
Qui sotto Claudio esegue uno dei suoi pezzi più famosi: "La realtà non esiste"

Qui sotto un'altro mio ritratto di Claudio, scattato a Roma quest'anno.

Altri regali bellissimi. Ho scattato a Torino nella casa di Carlo Mollino, e già questo è stato un regalo e un'esperienza emozionanti (grazie Silvia)
Per le foto del backstage ho chiesto aiuto alla mia amica Elena Givone.
Qui sotto uno dei suoi scatti, ma come antipasto. Stay tuned: Le sue foto, magiche, misteriose e giocose come lei, su questo blog quando ( a Febbraio) il servizio di moda in questione sarà pubblicato.

Altro scatto natalizio e ironico me l'ha regalato Beppe Calgaro. Lui si firma anche "Fratelli Calgaro". date un occhio al suo lavoro: Non è omologato e quindi è molto interessante. Questo è un file, ma ha giurato che mi manderà la stampa firmata. Grazie!

Altra stampa regalo quella che ho ricevuto da Pino Musi.
per raccontare Pino uso le - perfette - parole di Ferdinando Scianna:

"Vulcanico napoletano, folle e un tantino ipocondriaco, sul quale si è misteriosamente innestato, e ancor più misteriosamente ha attecchito, uno spirito di fanatismo tecnologico mutuato dalle sue lunghe esperienze di vita e di lavoro in Svizzera.
Ricercatore e sperimentatore appassionato di ogni ultima diavoleria tecnica relativa alla fotografia. Autentico virtuoso nell’uso dei grandi formati e nella stampa analogica diretta in camera oscura, ma anche dell’elaborazione elettronica dell’immagine digitale, come dei vari tipi di stampa a getto d’inchiostro...
...tutti strumenti aggiornatissimi e sofisticatissimi ma univocamente funzionali ad una sincera ossessione per un risultato visivo superlativo quanto a restituzione di materia, dettaglio, di ogni sfumatura luminosa del soggetto fotografato."

Anche di Pino Musi torneremo a parlare in questo blog nel 2012, ma dalle parole di Scianna avrete capito che la stampa qui sotto riprodotta è, vista dal vero, un assoluto capolavoro.

Vabbè, a proposito di capolavori. Giovanna Calvenzi come al solito esagera e per Natale (ok, Natale + il mio compleanno ) mi omaggia di questa stampa originale di Giacomelli.
Che dire?
Emozione allo stato puro. E' come tenere in mano un pezzo di storia, eppoi nostra, direi nostrana. Forse non la voglio nemmeno incorniciare. Voglio poterla tenere in mano. Lui l'ha tenuta in mano. Giacomelli è unico. Da ragazzo l'avevo solo intuito, non capito, ma è normale. Bisogna crescere per sapere. Ora lo trovo anni luce avanti. Grazie Giò!

Realtà della provincia italiana.
Gente di cuore che sa fare davvero bene il suo lavoro. Qui sotto un paio di esempi e un paio di regali davvero "giusti"
Scarti-Lab. Di Crevalcore, tra Modena e Bologna. Fanno jeans, camicie, roba da uomo. Trattano - male - il denim in modo magistrale. Avevo preso una loro camicia per fotografare Jovanotti.
Qui sotto Toni, il boss, poi Lorenzo in pizzeria con camicia Scarti-lab, poi i pantaloni "stato dell'arte" che ho ricevuto per Natale. Grazie anche a voi.

E poi Stewart, sono toscani. Fanno giubbotti di pelle come devono essere. Loro, sono persone come tutti dovrebbero essere. Grazie Carlo e complimenti per il mio bomber, non lo tolgo più!

Un pò più impersonale, ma è un regalo anche questo: Io Donna ha eletto come migliore copertina del 2011 la mia foto con Lucia Lavia. Grazie!

Altro pacchetto inaspettato: Sinapsi mi ha mandato ben cinque suoi scatti in Polaroid. Sono un estimatore del suo lavoro e lui lo sa, ma non ci conosciamo ancora di persona. Siccome non le ha firmate dovrà per forza passare dal mio studio. Grazie Gian Giacomo, a presto! (due le ho tenute girate, un pò di mistero non fa mai male...)

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Stage>backstage: The December cover of Riders magazine.

2011-12-24T02:06:00.019+01:00

Riders, December issue
Photo editor and backstage photography: Stefania Molteni.

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Let's the images talk: "Merry night", a fashion essai for Io Donna magazine styled by Silvia Meneguzzo, photographed by Toni Thorimbert.

2011-12-18T17:00:00.018+01:00

Io Donna magazine
Merry Night
Styled by Silvia Meneguzzo
Photographed by Toni Thorimbert

Hair: Gianluca Guaitoli
Make up: Roman Gasser

Backstage photography and video by Giorgio Serinelli.
Video editing: Maria Alonzo.

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Editor-at-Large Matteo Oriani talks about the world’s most expensive photograph. Spoiler warning: It’s retouched!

2011-12-11T18:24:00.004+01:00

Recentemente una fotografia di Andreas Gursky (Lipsia 15 gennaio 1955) è stata venduta ad un’asta di Christie’s per 4,3 milioni di dollari. E’ la foto più costosa al mondo. Andreas Gursky è cresciuto a Düsseldorf e ha avuto come insegnante Bernd Becher (Siegen, 20 agosto 1931 - Rostock, 22 giugno 2007) che, con sua moglie Hilla (Potsdam, 2 settembre 1934), è stato tra i più influenti artisti dei nostri tempi: le loro fotografie di archeologia industriale hanno fatto storia.
La fotografia si intitola “Rhein II” ed è stata scattata nel 1999.

Difficile capire certi meccanismi del mercato dell’arte, però mi diverte sapere che c’è chi spende 4,3 milioni di dollari per appendere al muro del salotto una foto grigia e verde di 360 centimetri per 185. Per di più la foto in questione non è unica: esistono 6 copie conservate al Museum of Modern Art a New York, alla Tate Modern a London, alla Pinakothek der Modern a Monaco, e alla Glenstone Collection a Potomac, Maryland. La sesta non so.
Il “tipo” ha fatto bene a comprarla: è bellissima. Temo però che giaccia in un caveau superprotetto e super climatizzato. La foto dico.
Ma quella foto è più “bella”, per esempio, di “99 cents”, sempre di Andreas Gursky e conservata al MoMa di New York, costata 3,3 milioni di dollari nel 2007?

Non so bene cosa determina il prezzo di un’opera, ma so che le fotografie di Gursky hanno un valore immenso che va al di là del vil denaro: il valore dell’arte.
Per capire questa fotografia slegata dal suo valore commerciale, proviamo a guardarla come se la stessimo guardando appesa al muro. Osserviamo la composizione. L’inquadratura è perfettamente divisa in due tra cielo e terra. Nella parte superiore c’è un cielo grigio, reso appena percepibile da morbide sfumature nuvolose. Nella parte inferiore c’è una spoglia distesa di verde interrotta da strisce grigie. La striscia più grande è il Reno.
Non si può dire se il fiume va di qua o di là. Si rimane ipnotizzati. Non ci sono punti di riferimento, ombre, oggetti, sembra non esistere tempo atmosferico e neppure tempo cronologico. C’è un appiattimento dei piani ma non una mancanza di profondità.
Le immagini di Andreas Gursky sono ottenute con fotografie manipolate. Si potrebbe dire postprodotte, ritoccate, fotoscioppate, ma il termine non sarebbe azzeccato. Lavorate digitalmente è più calzante.
La realtà, per Gursky, non può essere esibita se prima non viene ri-costruita perché la realtà oggettiva non esiste.
La tecnologia digitale è usata in questo caso in un modo estremamente nobile. L'artista usa questo mezzo per costruire una nuova realtà, per proporre un senso estetico e concettuale diverso, slegato e lontano da canoni estetici e concettuali imposti, dove nessuno, in realtà, si riconosce.
Sappiamo tutti quali danni si possono fare con il ritocco digitale. L’immagine che noi avremmo di quello stesso paesaggio, osservando con i nostri occhi, non coincide con la realtà che ci offre Gursky.
Guardare per credere: qui sotto la foto dello stesso posto scattata da un fotogiornalista tedesco.

Rhein II, come tutte le opere di Gursky non è una fotografia narrativa, ma è una fotografia allegorica. Rhein II trasmette una sensazione di serenità e di pace. E’ un’immagine meditativa-minimalista.
C’è un equilibrio rassicurante e una forte tensione attrattiva.
Equilibrio rafforzato da un rigore compositivo senza eguali dove sembra non succedere nulla e invece succede tutto.
Esiste un duplice punto di vista per godere di questa fotografia: da lontano si vedono grandi segni cromatici sapientemente disposti e da vicino puoi scoprire dettagli e particolari infiniti.
Posso solo immaginare (perché vedo in uno schermo) i singoli fili d’erba, le piccole increspature dell’acqua e le soffici sfumature delle nuvole. C’è dentro tutto il Reno, tutta la ”Realtà Reno” vista attraverso l’occhio di Gursky che, come dice lui stesso, immagina di guardare attraverso l’obbiettivo della macchina fotografica con l’occhio di un extraterrestre.
Il modo più puro, più aperto, più curioso, più inimmaginabile e profondo di guardare la realtà.
In quest’opera viene sublimato “l’effetto Gursky”: lo spettatore perde i punti di riferimento canonici per trovarne, meravigliosamente, di nuovi.
Adesso osservate le due foto vicine, “99 cents” e “RheinII”: non potrebbero apparire più diverse e invece sono generate dallo stesso “effetto” proprio perché sono immagini allegoriche e non narrative. “Rhein II” è la sublimazione di “99 cents”, per quello costa di più!

Matteo Oriani.

Nota dell’autore: grazie Principessa!

Matteo Oriani è un fotografo.
Colto ed acuto osservatore delle immagini e delle menti che le producono.
Insieme a Raffaele Origone forma il duo professionale Oriani-Origone.
Nelle loro foto danno vita ad oggetti altrimenti inanimati.

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"Il mio domani": A movie by Marina Spada, a book photographed by Gabriele Basilico and Toni Thorimbert, edited by Contrasto.

2011-12-03T15:58:00.013+01:00

Gabriele ha fotografato la Milano del film, io le persone. Quella famiglia istantanea ed effimera che si crea sul set di un film. La star, la regista, gli elettricisti, la produzione, i costumisti, truccatori, direttori della fotografia, di produzione, scenografi, macchinisti ed assistenti vari. Era un bel gruppo, devo dire: belle facce e una bella atmosfera sul set.
Qui sotto un estratto di pagine dal libro: a colori, gli ambienti e i paesaggi fotografati da Basilico,(con a lato piccoli "frames" dal film) mentre miei sono gli scatti in bianco e nero dal backstage e i ritratti su fondo bianco.

"Il mio domani"
A movie by Marina Spada photographed by Gabriele Basilico and Toni Thorimbert.
Edited by Contrasto.
Curated by Giovanna Calvenzi.
Graphic design by Francesco Camagna.
Euro 19,90.

"Il mio domani" is a Kairos film production.
With: Claudia Gerini, Claudia Coli, Raffaele Pisu, Paolo Pierobon.

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"The Men Issue", a new blog by Alessandro Calascibetta.

2011-12-03T15:28:00.004+01:00

Se ricevete una mail da Alessandro Calascibetta, alla fine - nella firma - c'è la lista dei suoi incarichi:

vicedirettore moda Max
fashion director Style
creative fashion director Style Piccoli
fashion director Style Golf
fashion editor Il Mondo
fashion editor speciali uomo Io Donna

Mica male il ragazzo, che ora intraprende anche l'avventura di un blog di moda e stile. Alessandro è un bell'uomo, colto, intelligente, divertente, ovviamente sempre molto elegante. Di moda dell'uomo e di stile ne sa a pacchi, ovviamente, ma sopratutto ne sa parecchio di vita, avendo solcato molti mari, alcuni dei quali anche piuttosto burrascosi. Il suo approccio quindi non è mai superficiale, ma piuttosto caustico, ironico e abbastanza critico verso le mille cazzate di questa fetta di mondo. Se la moda vi interessa terrei d'occhio questo blog che potrebbe diventare, nel tempo, un ottimo punto di osservazione.

Qui sotto alcune immagini dal party di inaugurazione allo spazio di Alberto Guardiani.

Ale Calascibetta mostra il blog a Stefano Babic e altri amici.

The Men Issue.
Moda e Stile. Di Alessandro Calascibetta.

Photographed by Giorgio Serinelli.

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More from the November issue of Riders magazine: The bikebuilder Umberto Borile plus "Over the top" mechanic Jeremy Burgess.

2011-11-27T18:33:00.006+01:00

Sono stato appassionato di moto fin da bambino, ma d’altra parte era inevitabile, dato che mio fratello più grande lo era. Passavamo ore in garage a smontare-rimontare, e altrettante ore le ho passate in silenzio, a mascella calata e braghe corte, in adorazione di una Laverda 750 di un mio vicino.
Leggevo Motociclismo. Era la bibbia. Dove vivevo, a Pioltello, estrema periferia di Milano, proiettavano i film-fotoromanzo con Giacomo Agostini.
A me però piacevano molto anche i cavalli. Da bambino disegnavo solo caschi integrali e selle americane. Ad un certo punto, non so, forse perchè le moto di mio fratello erano troppo rotte o per via di un paio di scivolate col Minarelli, il cavallo ha prevalso, e lo ha fatto per quasi vent’anni.
Qualche anno fa mi sono operato. Niente di veramente grave, ma dovevo stare a letto. Nel frattempo qualcosa era cambiato. Non c’erano più solo le foto - in bianco e nero - di Motociclismo, c’era la TV. C’era Guido Meda. Mi ricordo benissimo quel week end, dolorante ma felice, a guardare tutto, tutto delle moto, le prove, le gare, i commenti.
Mi era tornata la febbre.
Dopo un pò mi sono comprato una moto, poi è uscito Riders ( o viceversa ), poi ho iniziato a lavorarci. Meno male i sogni dei bambini qualche volta si avverano.

Riders
November issue.
Borile 2.0 Reloaded.

Photographed by Toni Thorimbert
Written by Paolo Sormani
Photo editor Stefania Molteni.

Riders
November issue.

Jeremy Burgess
le mie cinque P.

Photographed by Toni Thorimbert
Written by Mat Oxley
Photo editor Stefania Molteni.

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Cattelan@Guggenheim.

2011-11-21T08:32:00.009+01:00

Tutti "All" Guggenheim

Tutto è opera. Nella spirale vorticosa del Guggenheim a New York un rigoroso tableau vivant di volti, personaggi, cappelli, maschere, lunghe barbe e occhialoni.
E’ lo sfondo rumoroso e patinato alla grande opera di Maurizio Cattelan appesa nel biancheggiante cilindro del museo. Un collettore che di lavori ne racchiude molti, anzi tutti, quelli creati dall’artista da quando ha iniziato a giocare seriamente con l’arte. Un’opera nell’opera. E un evento nell’opera, dove sfilano sorridenti personaggi dell’arte, e limitrofi. Molti gli artisti: fotografi, cantanti, musicisti, attori, scrittori, buoni amici e finti amici. E poi giustamente loro, il micromondo dell’arte, i collezionisti, i galleristi, i giornalisti, gli amatori … che completano il quadro, come un caleidoscopio in un tempio sacro.
Rossella Farinotti

Maurizio Cattelan.

Massimiliano Gioni.

Gianna Nannini.

Emmanuel Perrotin.

Pier Paolo Ferrari.

Saturnino, Lorenzo Jovanotti.

Yuri Ancarani.

"Maurizio Cattelan: All"

Dal 4 novembre al 22 gennaio 2012.
Solomon R. Guggenheim Museum.
1071 Fifth Avenue, New York NY.

Photographed by Lady Tarin
Written by Rossella Farinotti.

Rossella Farinotti, critica e curatrice. Si occupa di arte contemporanea, collabora con il mensile Arte, è co-autrice del Farinotti Dizionario di tutti i film.

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Five times motocross world champion Tony Cairoli for the cover story of Riders magazine, November issue.

2011-11-14T08:47:00.006+01:00

Con un'edizione speciale a due copertine, una per l'edicola (con la valigia) e una, (con la sua KTM N° 222) distribuita al salone della moto di Milano, Riders ha finalmente celebrato Tony Cairoli. Cinque volte campione del mondo di Motocross. Uno quasi come Valentino insommma. Ma il motocross non è la pista. Meno TV, quindi meno soldi, quindi meno "star". Meno male.

Perchè lo abbiamo scattato truccato e vestito da emigrato di lusso?: Una breve spiegazione dall'introduzione: "Come gli emigranti d'altri tempi è partito dalla Sicilia verso il nord in cerca di fortuna. Non aveva la valigia di cartone, ma come loro Tony Cairoli s'è fatto spazio con i gomiti. E le vittorie."

Qui sotto il backstage, con Anna Maria Negri alle prese con i baffoni - finti - del Tony. Il servizio è stato scattato al Circus Studio di Milano.

Filippo e Tony in attesa del verdetto sulla cover.

Scattare sotto lo sguardo vigile della capa Molteni.

Foto ricordo di rito. Tony è un grande. E uno dei modelli più silenziosi che abbia mai avuto.

Qui sopra: Moreno Pisto intervista Cairoli, finalmente al naturale.

Riders
November issue.
"Tony Cairoli - Fango e gloria"
Fashion editor: Filippo La Bruna
Written by Moreno Pisto.

Tony Cairoli photographed by Toni Thorimbert, 7 October 2011.
Backstage photography by Giorgio Serinelli.
Grooming Anna Maria Negri@W-M Management.

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Postcards from Los Angeles.

2011-11-12T15:49:00.005+01:00

The surfers. Malibu Beach.

The skaters. Venice.

Chinese shadows at the Chinese theater. Hollywood Blvd.

The Diner.

The palms. Beverly Hills

The Bill.

The Cadillac.

The lawyer sign. La Cienega Blvd.

The billboard, Sunset Blvd.

The Location. Mulholland Drive.

The Pier. Santa Monica.

The sky ( for S.)

The traffic jam.

Photographed by Toni Thorimbert in L.A. from the 26th Oct to 5th November 2011.

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The interview: Master retoucher Nora Suardi @ Zat Digitalartwork, Milano.

2011-11-06T20:27:00.004+01:00

Nora Suardi photographed by Matteo Valle'.

TT: Ciao Nora, puoi raccontarci il tuo percorso di studi e la tua storia professionale?

NS: Ho lasciato il liceo artistico in seconda. Mi sono trasferita a Londra e “casualmente” mi sono laureata in “fine art”. Al college ho sperimentato vari media: Pittura ( il mio primo amore ), scultura, fotografia e “dulcis in fundo” Photoshop, lo strumento che mi ha dato modo di sfogare visioni illimitate.
Professionalmente e' stata dura trovare un'identita': volevo essere tutto, pittrice, artista, fotografa. Essere "solo" ritoccatrice non mi sembrava abbastanza, ma poi ho capito che questo era un modo per giocare con tutte le mie passioni.

TT: Puoi raccontarci qual’è il tuo rapporto con la fotografia? Compri giornali, libri di fotografia, vai alle mostre? Come si tiene “aggiornato” un ritoccatore?

NS: Il mio rapporto con la fotografia e' di amore "deviato". Non posso guardare un’immagine senza pensare se e come e' stata ritoccata, se il ritocco e' bello o "farlocco" o a come l'avrei interpretata io.
Compro poco, in verità, ma osservo tutto quello che viene stampato.

TT: Esistono “tendenze” o “mode” nel fotoritocco?

NS:Teoricamente le stesse della fotografia, perchè, specie nella moda, il ritoccatore segue lo stile del fotografo che segue la moda che segue le tendenze.

TT: Guardi mai il lavoro dei tuoi colleghi? ci sono ritoccatori che conosci e che ti ispirano?

NS: Inevitabile guardare il lavoro degli altri! Ma i ritoccatori sono “invisibili”.
Dipende molto dal fotografo: se mi piace la foto significa che anche il ritoccatore e' ok....

TT: Ci sono polemiche sull’uso del fotoritocco specialmente nell’immagine della donna, nei beauty pubblicitari o nelle immagini di moda: per alcuni, questa “irreale” bellezza veicolata dai media può creare nelle donne complessi ed inibizioni. Cosa ne pensi?

NS: Personalmente credo che i media distorgono e trasformano cosi tanto la realta’ che le “bugie” che raccontiamo con Photoshop sono tra le meno gravi...

TT: Esistono altri programmi di ritocco realmente alternativi a Photoshop?

NS: Non ne ho mai incontrati.

TT: Come definiresti il tuo rapporto con photoshop?

NS: Quotidiano.

TT: Abbiamo toccato il fondo, siamo ai confini di photoshop? Tu puoi dire di usarlo e conoscerlo al 100%?

NS: NO! e’come uno strumento musicale, dipende da come lo suoni. Io suono tanto e bene.

TT: C’è un “tool” di Photoshop che ancora non c’è e che ti piacerebbe sviluppare?

NS: Non ho un’approccio così tecnico con il programma. E’ più una roba di testa. Per quanto mi riguarda Adobe poteva fermarsi al 4.0.

TT: Se non facessi questo lavoro, cosa faresti?

NS: Farei la pittrice. La fotografa di moda... mi piacerebbe un casino, ma mi sento più a mio agio nel backstage, forse...

Qui sotto alcuni esempi:

Questa campagna era, ovviamente, molto complessa: qui abbiamo collaborato con il fotografo anche in studio, durante gli scatti per verificare il realismo dei montaggi e delle luci, e poi... postproduzione a gogò.....
Foto Lorenzo Vitturi.

Questa foto è stata scattata in studio. La finestra sullo sfondo è un inserimento. Abbiamo creato luci e riflessi per dare la sensazione del vetro. Le scarpe sono state scattate separatamente per avere la massima definizione della pelle.
Foto Paolo Zambaldi.

In questo “still-life” la sfida è stata di trovare la miglior fusione tra il tessuto e la materia dei petali rispettando il volume e la materia della calla e fondendolo con la trama della lana.
Foto Bruna Rotunno.

La modella è stata scatta in studio su fondo nero e poi assemblata con lo sfondo in 3D. Oltre al ritocco classico, grande lavoro sulle cromie per far coesistere realtà e fantasia.
Foto Musati+Aimone.

Qui il ritocco si è concentrato sulla donna enfatizzando la bellezza e mantenendo un look morbido e naturale. Abbiamo tenuto cromie fredde sullo sfondo ma l’incarnato è più caldo. Ho poi disegnato i fiori come elemento grafico.
Foto Toni Thorimbert.

Nora Suardi (con Matteo Vallè) è Zat Digitalartwork, Milano.

To know more: www.zatdigitalartwork.com

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Style magazine, November issue: "Come va in borsa?" a fashion essai styled by Luca Roscini, photographed by Toni Thorimbert.

2011-10-31T15:39:00.012+01:00

Qualche tempo fa avevo tirato fuori, per la cover di Riders, il Tamron 500mm, era abbastanza ovvio che mi venisse voglia di rimettere in pista il mio Nikon 20mm, altro obbiettivo estremo e grande amore della mia gioventù. Caratterino difficile e modi bizzosi, il 20mm è brutto. Tutto è a fuoco sempre e se non sei "in bolla" (e non lo sei mai) tutte le linee della tua inquadratura diventano cadenti e sembrano delirare in preda a qualche droga psichedelica.
In più, quando scatti, dimenticati di riuscire controllare tutto quello che c'è in giro nei bordi del tuo mirino. Il 20mm è una specie di camion della pattumiera che dove passa tira su tutto. Hai voglia metterti lì a combattere. Il 20 è forte. Come un riottoso cavallo di razza, testone e bastardo, l'unica maniera di domarlo, e divertirsi, è dargli la via e cercare di essere almeno pazzo quanto lui.
Il 20 è un fatto fisico. Meglio non stare tanto a guardarci dentro, meglio buttarsi nella scena, assecondando l'istinto e il ritmo del momento, scattare tanto, e cercare di tenere il polso in bolla. 1000 foto faranno veramente schifo, ma quelle che vengono, ti ripagano.

Style magazine
November Issue
"Come va la borsa?"

Styled by Luca Roscini
Photographed by Toni Thorimbert
Style Fashion director: Alessandro Calascibetta.

Grooming Michele Qureshi/Freelancer.

Backstage photography by Giorgio Serinelli.

"Come va in borsa?" has been shot the 12th September 2011 in Piazza Affari, Milano.
The sculpture pictured @ page #7 is by Maurizio Cattelan.

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More from the October issue of Riders magazine: Andrea Dovizioso.

2011-10-23T20:47:00.012+02:00

E' Domenica 23 Ottobre, sera.
E' un giorno molto triste: Marco Simoncelli è morto in pista a Sepang, questa mattina.
Doveva esserci anche lui, in queste foto con Andrea.
Erano un po' tanto rivali, loro due - l'idea era di fotografarli come grandi-bambini, o bambini - grandi, con le loro minimoto originali, quelle di quando si correvano contro da piccoli.
Sapevamo che difficilmente avrebbero accettato di scattarle insieme - stesso posto, stesso momento - così avevamo deciso di farli uno per volta, poi montare il servizio e magari fare anche un fotomontaggio per l'apertura. Ma poi - problemi vari - Sic le foto non le ha fatte.
Ho anche pensato di non metterlo questo post.
Poi, spero sarete d'accordo, ho deciso di pubblicarlo, esattamente come era già pronto e scritto, in memoria di Marco, e in onore di Andrea.

La nebbia. E proprio non capivo. E meno capivo, più aprivo. Aprivo e il bianco ormai spappolava la diapositiva. Per forza, i flash sul fondo li tenevo tre, quattro, anche cinque diaframmi più potenti della luce sul soggetto.
Erano altri tempi, diciamo gli inizi degli anni ’80. Pochi ci capivano veramente qualcosa, e le foto uscivano sul giornale così, tutte velate.
Un disastro.
Il bello è che poi, a come fare un bianco decente non ci sono mica arrivato da solo, grazie ad un mio ragionamento, ma me lo dovette spiegare, se non ricordo male, proprio un assistente di Toscani: “ quattro diaframmi? ma sei pazzo? ma basta un terzo di stop, ma anche meno! “
Ah...grazie...
Comunque sono sempre stato intignato con il bianco. Mi piaceva e mi piace ancora molto. Quando ho iniziato, lo vedevo usare molto da Toscani, naturalmente. Un bel bianco che aveva, appunto, pochissimo “ritorno”. Sul soggetto usava l’anulare o una luce più morbida, alla Benetton per intenderci, luce che faceva con un grande bank sopra la macchina (- sopra – è un eufemismo- il bordo del bank doveva toccare praticamente la lente della Mamiya 6X7) e un pannello riflettente sotto.
Un bel bianco contrastato e brillante lo faceva anche Bill King: i modelli erano scatenati: saltavano, ballavano. Bello.
Ecco, forse il punto è proprio quello. Cioè, se usi il bianco, lì davanti deve succedere qualcosa.
Secondo me, il fondo bianco ti dice inequivocabilmente: Questa foto è “finta”. E’ una messa in scena.
Ma in cambio ti dice anche: però quello che vedi, il soggetto, è assolutamente reale.
Per questo, la luce naturale in ombra, quella di Avedon di “In The American West” è quella che mi piace di più, e che infatti uso spesso: Tecnicamente (meno male) è semplice: devi "solo" trovare un muro rivolto a nord e metterci il fondale. Punto.
Trovo che il fondo bianco con l’ombra è proprio un’altra cosa. Può essere Ok, ma non dice assolutamente la stessa cosa.
Lo usava Herb Riits, per esempio. Metteva una parete bianca sul tetto di casa sua, a West Hollywood, in piena luce del pomeriggio. Fotografie elegantissime: bianco perfetto e ombra nettissima. Terry Richardson fa un bianco “moderno” e indubbiamente succedono molte cose davanti alla parete bianca del suo studio, ma l’ombra portata del flashetto, ti sta dicendo: “Sai, eravamo qua 'sto pomeriggio, ci siamo messi lì, abbiamo fatto un pò di cazzate e anche un pò di foto”.
Con l’ombra, il fondo, diventa uno sfondo. Non è più un “limbo”, che per definizione, è luogo di passaggio, territorio indefinito dove gli equilibri sono precari, il destino incerto e il tempo perde il suo spessore terreno.
Il limbo è il luogo della solitudine - e non importa in quanti siamo - lì sei sempre solo, anche tu che scatti.
Se il bianco è banale non perdona – si vede.
Sul bianco devi essere un po' più onesto. Non ti puoi aggrappare a molto. L'ombra non c'è, non c’è l'inquadratura: Devi per forza trovare profondità, empatia, un nesso tra gli elementi, e sopratutto un nesso tra te e il tuo soggetto.
Un piccolo semplice teatro di emozioni e sentimenti, sospeso tra la vita e la morte.

Riders magazine
October issue.
"Come ai vecchi tempi"

Andrea Dovizioso photographed by Toni Thorimbert.

Photo editor: Stefania Molteni.
Written by Moreno Pisto.

Photographic assistance and backstage photography: Giorgio Serinelli.
Assistant: Davide Farabegoli.

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"Rigore e sentimento". A fashion essai for Io Donna magazine. Styled by Silvia Meneguzzo, photographed by Toni Thorimbert.

2011-10-15T12:49:00.013+02:00

Qui sotto alcune belle immagini dal backstage:

E per chi proprio non ne ha mai abbastanza, il video:

IO Donna
"Rigore e sentimento"

Styled by Silvia Meneguzzo
Assisted by Rebecca Giulia Pupilella

Photographed by Toni Thorimbert

Hair: Gianluca Guaitoli.
Make up: Roman Gasser

Models:
Oxana G. IMG
Bogdana Y. Next

Backstage photography and video: Giorgio Serinelli.
Edited by Maria Alonzo.

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Candela and the CR&S DUU on the cover: Riders, October issue.

2011-10-09T20:08:00.010+02:00

Per fare questa cover ho riesumato dall'armadio delle macchine analogiche un vecchio Tamron 500mm a specchio che usavo con le mie Nikon F2 e F3.
Obbiettivo bellissimo. non costava troppo, faceva, (e fa ancora) i riflessi ad anello. E’ compatto, leggero.
Molto più caldo e morbido del Nikon originale. Come tutti gli obbiettivi a specchio ha un solo diaframma: 8.
Mi sono sempre piaciuti gli obbiettivi un po' estremi. Il 20, il 500. Armi da guerra li chiamo. Non perchè si usano per la foto di guerra, ma perchè, se non li usi come si deve, ti fai male.
Il 500 lo usava ogni tanto William Klein. Guardavo questo suo libro: Tokyo.
E’ quasi tutto fatto con il 20mm e poi verso la fine queste “telate” pazzesche con il 500. Tutto a fuoco – tutto sfuocato.
Il problema è che vibra.
Volevamo un fondale fatto di solo asfalto, dorato dalla luce del tramonto.
Abbiamo messo la Canon sul cavalletto scocciato in cima ad una scala.
Era abbastanza stabile, ma se scattavo dalla macchina, bastava la pressione del dito – Clik – veniva mossa.
Poi ero veramente lontano, era difficile dirigere Candela.
Così, abbiamo fatto una specie di triangolo che si parlava a gesti, o a grida: Scatta!!!! Ora!!!Vaiii: Stefania Molteni, photo editor, le scattava dal bottone sul computer, Giorgio, il mio assistente, stava in cima alla scala a mettere a fuoco, guardare le cose da lì, proteggere la lente dal controluce con una bandiera, e io stavo, a quasi cento metri, vicino a Candela, appena fuori dall’inquadratura, le dicevo dove guardare, la posa.
Qui sotto le altre immagini, queste fatte con obbiettivi più "normali"...

Qui sotto immagini dal backstage:

Il cavalletto in cima alla scala nella via di fuga della curva 1 del nuovo autodromo di Modena. Il cartone sul tavolo è una protezione, "do it yourself", dalla luce per il computer.

Qui si vede bene la distanza dal soggetto. Il furgone di fianco alla moto e a Candela serve come un grande pannello riflettente bianco.

Al centro, vicino a Stefania Molteni, Giovanni Cabassi, uno degli artefici del progetto CR-S DUU.

Come per tutti i veri piloti, una "umbrella girl" per Candela.

Riders
October issue.
"La nuda verità"
A test ride of the CR-S DUU.

Photographed by Toni Thorimbert.
Photo editor: Stefania Molteni.
Written by Roberto Ungaro.

Model: Candela Pelizza Tricarico Novembre. ( Next )

Backstage photography by Maria Alonzo and Giorgio Serinelli.

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Editor-at- large Matteo Oriani talk about a Chico De Luigi generous present: an original print by Mario Giacomelli.

2011-10-02T19:52:00.009+02:00

Qualche tempo fa, al Festival di Savignano, l' amico Chico De Luigi mi ha fatto un grande, bellissimo regalo: una foto - stampa originale - di Mario Giacomelli.
Sono rimasto senza parole. letteralmente.
Così ho chiesto a Matteo Oriani, un altro grande amico, di metterci le parole giuste e raccontarci questa immagine.

"Questo ricordo lo vorrei raccontare".

Il sogno è un formidabile strumento per esplorare il subconscio ed immergersi in sè stessi. Osservando questa fotografia, così carica di simboli visionari, sembrerebbe che Giacomelli abbia rappresentato un suo sogno.
E invece no, non è esattamente così.
Questa fotografia fa parte della serie "Questo ricordo lo vorrei raccontare (1998-2000), dove "vorrei" sta per "mi piacerebbe poterlo fare", che Giacomelli ha realizzato dopo la malattia e dopo una operazione chirurgica. In quel periodo Giacomelli si è dedicato a costruire dei teatrini per mettere in scena dei sogni immaginari così da poter dare libero sfogo all'autoanalisi.
Proviamo allora ad entrare in questa visione e a coglierne i significati.
Lo sfondo è una campagna immota, senza tempo, testimone silenziosa delle vicende terrene. Ad essa fa da contraltare la scena costruita da Giacomelli: sulla sinistra c'è un cane nero, seduto. Gli antichi egizi rappresentavano il dio che aveva il compito di proteggere ed accompagnare l'anima nel viaggio nell'aldilà, con un ominide con la testa di cane nero, Anubi (o Upuat "colui che apre la strada"). Questo dio è lo spirito che protegge e guida, è il guardiano del territorio, dove per territorio si può intendere il sè interiore. Poi ci sono alcune case, probabilmente abbandonate dai contadini non più disposti a lavorare la terra.

In queste case si sono vissute e consumate molte vite, nascite, morti, passioni, dolori e gioie. Le case sono quindi testimoni e custodi dei ricordi della vita che non c'è più (Giacomelli adorava visitare le vecchie case abbandonate dai contadini nelle campagne) e diventano la scenografia perfetta per il viaggio nel subconscio.
Osservate come i muri, ora neri ora bianchi, facciano da sfondo a elementi ora bianchi ora neri, a contrasto. I pupazzi sono osservatori/protagonisti. Osservano la scena ed al tempo stesso ne fanno parte. Siamo noi, ovvero rappresentano l'osservatore che si immerge nel racconto. Come nei sogni noi siamo protagonisti e spettatori allo stesso tempo o cambiamo ruolo a seconda delle visioni.
Quando sognamo siamo lì, quì, dentro e fuori.
E poi c'è lui: Giacomelli faceva anche autoscatti.

Sembra che questo personaggio incanutito voglia uscire dalla scena. Sembra che scavalchi con un certo affanno per raggiungere la strada. Vabbè, la strada, facile interpretazione: cammino, percorso, direzione, fuga, viaggio...
Più interessante è il piccione sulla destra che è l'altro "elemento" in movimento nella scena. Il piccione è un animale che viaggia e che torna sempre indietro. Giacomelli, che si muoveva di rado dalla sua terra ma viaggiava lontano con la mente, ne era affascinato.
Sarebbe meraviglioso se nelle scuole si studiasse l'opera di Giacomelli. È uno degli esempi più fulgidi dell'uso della macchina fotografica non come strumento della tecnica, ma come strumento della mente.

Matteo Oriani.

Mario Giacomelli
Senigallia, 1 Agosto 1925 - 25 Novembre 2000
A tredici anni, entra come ragazzo di bottega in una tipografia di Senigallia, della quale diventerà proprietario. Comincia a fotografare solo nel 1954 da autodidatta.

www.mariogiacomelli.it

Matteo Oriani è un fotografo.
Colto ed acuto osservatore delle immagini e delle menti che le producono.
Insieme a Raffaele Origone forma il duo professionale Oriani-Origone.
Nelle loro foto danno vita ad oggetti altrimenti inanimati.

Sono felice di annunciare che con questo pezzo Matteo Oriani inaugura la sua collaborazione a questo Blog.

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"Conversations" > Photography from the Bank of America Merrill Lynch Collection>Museo del 900>Milano.

2011-10-02T19:27:00.005+02:00

Struth, Ruff, Frith, Misrach, Frank, Callahan, Weston, Penn, Friedlander, Eggleston, Levitt, Winogrand, Sherman, Delahaye, Hine.
Possono bastare? Perchè ce n'è anche altri... Ma questa mostra, se avete il culto della fotografia - come dire? - stampata sulla carta, o fatta da gente che sa il fatto suo per davvero, vi lascerà delusi solo perchè finisce presto e, invece, vorreste non finisse mai.

Qui sotto ho filmato qualche metro di mostra:

Conversations
Photography from the Bank of America Merrill Lynch Collection.
Museo del Novecento.
Piazza Duomo
Milano.

30 September 2011 - 15 january 2012.

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Cuchi White in Milano with a show at the "Bel Vedere" gallery and in my studio for a family portrait.

2011-10-01T18:28:00.006+02:00

Photographed by Toni Thorimbert in Milano, 28 September 2011: From left: Carla and Marilore with daughters Giulietta,Zelina and Luana. Standing far right, Paolo Boni. Center stage with hat, cane and red shoes: Cuchi White.

Da anni, di fianco al mio letto c'è una foto di Cuchi White. E' una foto a colori scattata in una chiesa barocca. L'ho messa in una cornice d'oro, molto barocca anch'essa. E sta benissimo. Cuchi è un mito, un personaggio, una grande fotografa sposata ad un grande - piccolo - artista genio che è Paolo Boni. Una coppia inossidabile e straordinaria. Li vedevo e frequentavo anni fa ad Arles, agli incontri internazionali di fotografia. Ma poi ci siamo un pò persi di vista. Sono stato così felicissimo di ritrovarli tutti nel mio studio - portati da Giovanna Calvenzi - per una foto di famiglia.
Cuchi sta bene, diciamo che ha qualche buco di memoria, è molto anziana e ora ha smesso di fotografare. Io invece me la ricordo, con il suo italiano improbabile mezzo francese e mezzo americano con tre Fuji 6X9 al collo e la borsa dei rulli a tracolla. Un groviglio di cinghie, roba da 20 chili minimo. Gli dissi: "Caspita Cuchi, ma non ci sono con gli obbiettivi intercambiabili?" " No" disse lei impugnandone una, che da sola sembrava una villetta a due piani: "così è molto più comodo!".

Se siete a Milano, la mostra è veramente deliziosa. Le foto sono bellissime, dal vero, e hanno un prezzo accessibile. Da non perdere.

Qui sotto alcune immagini:

E qui di seguito un'estratto dalla presentazione di Giovanna Calvenzi:

Cuchi White è un’autrice internazionalmente nota per il suo lavoro a colori, realizzato a partire dalla fine degli anni Settanta. Attratta delle incongruenze della realtà, dagli inganni della percezione, dalla storia dell’arte nella sua traduzione e fruizione quotidiane, ha realizzato, fra gli altri, un libro sui "trompe l’oeil", un altro sulle ville iperboliche della Costa Azzurra, un terzo sui villaggi arroccati in luoghi dal difficile accesso e, poco prima di abbandonare la fotografia, stava realizzando una lunga ricerca sulle architetture dall’incongrua forma di nave in giro per il mondo.

Tuttavia, alla fine degli anni Quaranta la giovanissima Katherine Ann White si era avvicinata alla Photo League, un’associazione di fotografi professionisti e amatori che aveva sede a New York.

La Photo League promuoveva una fotografia fortemente impegnata e attenta alle diverse realtà sociali contemporanee ma era anche un luogo di incontro, di studio e di dibattito, spesso frequentato da autori come Paul Strand, Berenice Abbot, Margaret Bourke-White, Eugene Smith.

Cuchi White nel 1948 ha 18 anni ed è certa che con la fotografia si possa raccontare il mondo e aiutarlo a cambiare e con entusiasmo percorre con la sua 6x6 le strade di New York, Harlem, New Orleans.

Nel 1949, affronta il suo primo viaggio in Europa.
Si innamora soprattutto dell’Italia, che sente più vicina ai suoi reali interessi di quanto non lo siano gli Stati Uniti, in quegli anni intossicati dal maccartismo.

Cuchi White racconta un’Italia di eventi minimi, di volti, di paesaggi, con un linguaggio diretto che risente della passione civile e riformatrice e del rigore formale propugnati dal gruppo newyorkese.

Lavora in totale libertà, lasciando scorrere il proprio sguardo su quello che le piace, che le interessa, che sollecita la sua curiosità.

Non vuole dimostrare nulla: solo essere testimone. La sua visione è limpida e senza pregiudizi e grazie a una fotografia rispettosa ed empatica evita gli stereotipi di gran parte della cultura visiva del dopoguerra.

L’incontro e il matrimonio con il pittore Paolo Boni la trattengono per qualche anno in Italia poi, nel 1954 Cuchi White si trasferisce definitivamente a Parigi dove, nel 1958, nasce sua figlia Carla. Altri interessi ora prevalgono, altre curiosità, e le sue straordinarie immagini in bianco e nero, realizzate con fervore di neofita e con un’incredibile maturità formale, rimarranno per decenni nei cassetti in attesa che proprio sua figlia Carla decida di sistematizzare l’archivio e di far stampare e far conoscere questi dimenticati e indimenticabili “viaggi” fotografici di Cuchi White.

Giovanna Calvenzi
Settembre 2011

Cuchi White
Viaggi: 1949-1953

29 Settembre - 29 Ottobre 2011

Curated by Carla Boni
with the help of Giovanna Calvenzi.

Bel Vedere Fotografia
Via Santa Maria Valle 5
20123 Milano.

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Gomorrah girl>Valerio Spada

2011-09-26T23:11:00.007+02:00

Un libro fatto di storie che si incrociano.
La copertina ti spiazza proprio. Perchè porta in copertina la foto di una copertina. La copertina di un fascicolo della polizia scentifica sull’uccisione di una ragazza, Annalisa Durante, morta accidentalmente durante un conflitto a fuoco a Forcella un’area di Napoli sotto l’egemonia della famiglia Giuliano.

“Gomorrah Girl shows the problems of becoming a woman in a dangerous, crime-ridden area,” says Spada, who studied in Milan and has worked as a fashion photographer. “At age 9 they make themselves up as TV personalities and dream of becoming one of them. At age 13 or 14 they often become mothers, skipping the adolescence which is lived fully everywhere else in Italy.”

"Gomorrah Girl parla del problema di diventare una donna in una pericolosissima zona dell'Italia." Dice Spada, che ha studiato a Milano e in passato ha lavorato come fotografo di moda. "A 9 anni si mettono giù come le tipe della TV e sognano di diventare come loro. A 13 o 14 spesso diventano madri, bruciando un'adolescenza che in altre parti d'Italia i ragazzi possono vivere pienamente.

The story comes together in the books innovative design—Spada’s own documentary photographs, along with a smaller book of photographs detailing the police investigation, are bound together.
Captions offer details into the personal tragedies suffered by the subjects alongside stone-cold factual information provided by police evidence.

Spada infila le sue foto, corredate da didascalie che raccontano le sofferte storie dei protagonisti, nel fascicolo che riporta la cruda enunciazione dei fatti e dei reperti balistici descritti dalla polizia.

Spada, says the book’s design, which he worked on with Sybren Kuiper, was the result of circumstance. He had wanted to take pictures of the original murder evidence, but the Italian police denied him permission. Handing over photographs of the crime scenes, “the police told me, ‘If you want, you can take pictures of the pictures.’

Spada dice che la struttura del libro, creata insieme a Sybren Kuiper, è stata decisa dagli eventi. Spada voleva fare le foto dei reperti originali, ma la polizia gli ha detto di no, "Se proprio vuoi puoi fotografare le nostre foto"

I remember I was depressed, thinking, ‘I cannot get what I want,’” says Spada, “But I shot every single page. And while I was shooting, all was clear once again. This had to be a book within a book.”

"Ricordo che ero depresso" dice Spada, "Non potevo fare quello che volevo, però ho comunque fotografato tutte le pagine del fascicolo. E mentre lo facevo tutto mi è apparso finalmente chiaro. Doveva essere un libro dentro ad un libro".

I’d spent nearly three years traveling to Naples in search of a story and during one trip I met Giovanni Durante, Annalisa’s father, and he told me the story about his daughter. Giovanni still owns and works in the same store in Forcella. Every morning he brings breakfast with milk to his daughter's grave.

"Ho passato tre anni andando a Napoli cercando la chiave di una storia, e durante uno di questi viaggi ho incontrato Giovanni Durante, il padre di Annalisa. Giovanni lavora ancora nello stesso negozio di fronte al quale la figlia è stata uccisa e tutte le mattine le porta la colazione sulla tomba."

Enfin, Valerio Spada se confronte au portrait de ces tout juste adolescentes. Et l'on imagine la patience et la délicatesse dont il a du faire preuve pour gagner leur confiance.

Valerio Spada si è cimentato con i ritratti di queste ragazze appena adolescenti.
E possiamo solo immaginare la pazienza e la delicatezza di cui ha dovuto dare prova per guadagnarsi la loro fiducia.

Dans ce cadre sordide, Valerio Spada parvient à capter cet instant insaisissable ou une petite fille devient une jeune fille. Même si le cadre et le dispositif n'ont rien à voir, on songe par instant à Rineke Dijkstra

In questo sordido ambiente Valerio Spada arriva a cogliere quello sfuggente istante in cui una bambina diventa una ragazzina. Anche se le inquadrature e le modalità sono molto diverse, queste foto ci fanno pensare a Rineke Dijkstra.

Valerio Spada dit avoir été attiré par "l'incroyable force de leurs regards, par leur capacité à juger plus vite que quiconque du bon et du mauvais."

"Sono stato attirato dall'incredibile forza dei loro sguardi, dalla loro capacità di giudicare, più velocemente di chiunque altro, il bene e il male." Valerio Spada.

Questo libro è necessario.
Emozionante, innovativo, coraggioso, poetico, crudo, atroce, vero, intenso, irripetibile. Per me un capolavoro.
Toni Thorimbert.

Gomorrah Girl se clôt sur le portrait du "Tueur de Scampia". Perché sur son scooter cet homme de 31 ans a purgé une peine de 12 ans pour un meurtre commis alors qu'il en avait 19. Éternel recommencement.

Gomorrah Girl si chiude sul ritatto del "Killer di Scampia". Quest'uomo di 31 anni, fotografato in sella al suo scooter, ha scontato una pena di 12 anni per un omicidio commesso quando ne aveva 19.

Gomorrah Girl ha vinto il gran premio PHOTOGRAPHY BOOK NOW per il miglior libro autoprodotto del 2011.

Le didascalie sono liberamente tratte e tradotte dal sito di Valerio Spada:
http://www.valeriospada.com/

In Italia si trova da:
MiCamera, Milano
Galleria Carla Sozzani, Milano

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Io Donna: The "Pret-a-porter" issue photographed in the island of Stromboli.

2011-09-21T09:50:00.008+02:00

Io Donna
"Libere Tutte"
Photographed by Toni Thorimbert
Styled by Silvia Meneguzzo
Hair: Gianluca Guaitoli
Make up: Roman Gasser
Model Zuzana

In edicola fino a Venerdì 23 Settembre.

Qui sotto, "Stromboli 8.57 PM" il video del backstage.

STROMBOLI 8.57 pm from Toni Thorimbert on Vimeo.

Riprese: Giorgio Serinelli
Montaggio video: Alessandra Canteri

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Rewind>Fast Forward. Si Fest. No Panic Gallery.

2011-09-17T01:03:00.008+02:00

Difficile raccontare.
No Panic è un atteggiamento. Si, ma quale?
Fortunatamente, non si può spiegare. Lo puoi sapere, te lo puoi sentire dentro, ma non sai veramente perchè. Questa mostra era 100% No Panic.
Rewind. Tornare indietro nel passato. Fast Forward, proiettarsi nel futuro. Bum-bum.
Chico De Luigi, senza mettere nemmeno una sua foto, compone una mostra personale ed intima tenuta insieme, tra passato e presente, tra arte, fotografia e provocazione, con il solo collante del sentimento.
ma non c'è nessuna nostalgia qui. Questa è gente tosta.
Che però è stata anche questo. Che ancora oggi è tutto questo.
Poteva essere niente, invece era quello che mancava.
La storia.

L'installazione di Jacopo Benassi. Video straordinari. il blog Talkinass in tempo reale.

"Le colazioni" di Giovanna Calvenzi. bellissime. La storia che ti passa davanti. e qualche gigante della fotografia davanti ad una tazza di the.

Di nuovo Giovanna, fotografata negli anni settanta da Marcella Campagnano per il progetto "L'invenzione del femminile: I ruoli"

Gabriele Basilico. Autoritratti (scattati da Giovanna) vestito da donna. Anni settanta.

Toni Thorimbert: autoritratti e fotografie scattate da altri ( Basilico, Calvenzi, Lilli Barchiesi, Franco Battiato, Fausto Melotti e molti altri) dagli anni settanta agli anni novanta.

Il collegamento "Live" via Skipe con Ando Gilardi.

Visione d'insieme della mostra con la frase di Gilardi: "Meglio ladro che fotografo"

Qui sotto un video di Raffaele Murani girato al Si Fest. Verso la fine una mia breve intervista sulla "passione per la fotografia".

NOPANIC GALLERY - SIFEST 2011 from Rafux on Vimeo.

Poi, prima e durante, fino all'alba, è successo di tutto - a tutti.
Il SI FEST non si può nemmeno fotografare.
Bisogna per forza esserci.
Bellissimo.

SI FEST
Savignano sul Rubicone
9/10/11 Settembre 2011
http://www.savignanoimmagini.it

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Lorenzo Jovanotti: the cover story for the September issue of Riders magazine.

2011-09-16T23:34:00.006+02:00

Dice: Quando tutti guardano da una parte, bisogna guardare dall'altra, dalla parte più opposta.

Uomo amabile.

Quando potrebbe salire in macchina e andarsene, magari facendo simpaticamente ciao con la manina, no. Traversa la piazza e va a salutare le signore del paese che lo hanno visto. Si sono radunate fuori dal negozio della parrucchiera. "Ma sei dimagrito" gli fa una, e l'altra: "sei più bello dal vivo".

Vero. E poi, è alto Lorenzo. Più alto di come te lo immagini. Ogni volta che lo incontro è un po' più alto.

Qui sotto il backstage:

Riders
September issue

Lorenzo Jovanotti.
Photographed by Toni Thorimbert

Fashion Editor Filippo La Bruna
Photo Editor: Stefania Molteni

Backstage photography by Giorgio Serinelli.

Grazie a Roberto Rossi per la location e per i motorini.

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Haiti>Rava>Vhernier>Colombari>Thorimbert

2011-09-07T12:05:00.004+02:00

Martina Colombari photographed by Toni Thorimbert. Milano, 15 April 2011
Lay-out and art direction: Studio Da Pozzo, Milano.
Published Monday 5 September. Corriere della Sera.

Un anello per salvare una piccola vita.

Anello Pirouette
Argento oro e rosa.
Serie limitata.
Euro 970,00.
L'acquisto di ogni anello permetterà di devolvere 450,00 Euro, somma pari al costo di un'operazione chrurgica pediatrica all'ospedale di St.Damien di Haiti.
L'anello è disponibile nei negozi Vhernier e su prenotazione a info@vhernier.it

Qui sotto, il backstage fotografato da Claudio Rizzolo.

Fondazione Francesca Rava
N.P.H. Italia.
http://www.nph-italia.org

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FOTO Cult magazine, August issue.

2011-09-06T22:34:00.006+02:00

Qui sotto una versione dell'intervista leggermente editata:

Romanzo minimale

Intervista di Emanuela Costantini.

In che modo ti sei avvicinato alla fotografia?
È successo grazie a mio padre che era un grafico
pubblicitario e un artista. Anch’io disegnavo bene,
così mi sono iscritto ai corsi di grafica della Società
Umanitaria a Milano, dove ho scoperto che c’era anche
un corso di fotografia e ho deciso di seguirlo. È
stato in quel periodo che mi sono avvicinato a scelte
culturali nuove per me. Ho imparato ad apprezzare il
cinema di maestri come Buñuel e Antonioni, ho assorbito
avidamente la loro lezione.

Nei primi anni della tua carriera eri un fotografo di
reportage, impegnato soprattutto nella fotografia
sociale. Era la seconda metà degli anni Settanta,
un periodo difficile nella vita sociale e politica
italiana. Cosa riprendevi in particolare?
Scattavo soprattutto immagini di attualità, il più
delle volte si trattava di cronaca nera. Erano le foto
più richieste dai giornali. La gente moriva in piazza
per mano di un non meglio identificato “nemico”,
durante manifestazioni di protesta che spesso sfociavano
in scontri molto violenti. Purtroppo mi è
toccato fotografare anche molti funerali. Erano gli
anni oscuri del terrorismo, delle stragi.

Poi sei passato alla moda e alla pubblicità,
settori molto diversi da quelli dei tuoi esordi.
Perché questo cambiamento di rotta?
Sono cresciuto in periferia. Non sapevo nulla della
moda e il made in Italy ancora non esisteva. La
società, la cultura estetica evolvevano a grande
velocità. Le aziende crescevano e avevano bisogno
di far conoscere i loro prodotti, di elaborare
strategie di comunicazione per farsi largo nel
mercato. Ho ottenuto le prime commissioni importanti
dalla Mondadori e dall’IBM ai quali avevo
mostrato il mio book: una scatola riciclata di
carta fotografica Agfa in cui avevo sistemato le
foto scattate ai miei amici nei week-end.

Pensi sia stata la scelta giusta?
Sono un fotografo. Mi esprimo attraverso questo
linguaggio. Faccio sempre e comunque del reportage,
sia quando realizzo un servizio di moda sia
quando ritraggo un personaggio famoso per una
copertina. I miei scatti sono sempre legati alla
realtà, alla vita, alle persone e alle loro relazioni.

Cosa vuol dire fare un ritratto?
Testimoniare una relazione, mettendosi in
gioco personalmente.

Preferisci ritrarre un personaggio abituato a posare
davanti alla fotocamera o uno sconosciuto?
Non fa molta differenza per me. Però a volte trovo
più complicato stabilire una relazione fresca e
immediata con chi è troppo abituato a farsi fotografare
per motivi professionali o con chi è troppo
consapevole e padrone della propria immagine.

Come realizzi un servizio di moda? Da cosa
parti? Quali aspetti – fotografici e non – consideri
nel predisporre lo shooting?
La fotografia di moda è un lavoro d’équipe in cui
l’apporto di ognuno è fondamentale per il
buon risultato finale. Nei servizi cosiddetti “redazionali”
l’input parte generalmente dal giornale
e dal redattore. Sono loro che stabiliscono
il tema del servizio. Su questa base si costruisce
l’impianto della storia. Per prima cosa
viene deciso il cast, cioè si scelgono i modelli
e le modelle. Poi si procede con il resto. Un
altro aspetto importante da decidere nelle prime
fasi del lavoro è se la ripresa verrà fatta in
studio o in esterni. Ognuna di queste varianti,
infatti, ne comporta altre legate all’attrezzatura
e alla logistica, quindi agli spostamenti delle
persone e al trasporto di ciò che occorre per
allestire il set. Nelle pubblicità di moda, se la
messa a punto di una creatività non è già
compito di un’agenzia pubblicitaria o di un art
director, sono spesso chiamato a studiare anche
il tema creativo della campagna.

Quali sono i vantaggi e gli svantaggi di lavorare
in studio o in esterni?
Lo studio corrisponde alla mente. Gli esterni,
invece, sono più vicini alle emozioni e al cuore.
Ma, naturalmente, come spesso accade in fotografia,
può essere vero anche il contrario. In
studio nulla succede senza che tu ne sia il motore.
In esterni, invece, può succedere di tutto.
Sta al fotografo saperlo cogliere e interpretare,
ma soprattutto utilizzare a suo vantaggio.

Di quali altre figure professionali ti avvali?
Ascolto i consigli e i pareri di tutti coloro che
generosamente mi aiutano. Alla fine io tiro le
fila in situazioni create in buona parte da altri
e le inquadro in una mia forma visuale, interpretandole
nel mio stile e nel mio linguaggio.

Nel realizzare un ritratto, come procedi?
Su quali aspetti del soggetto ti soffermi?

Il ritratto è un’esperienza in cui occorre met-
tersi in gioco profondamente, senza remore
né pregiudizi. Quando scatto, a livello conscio
non so mai esattamente cosa sto facendo.
Credo in un’impeccabile organizzazione preventiva
e nella devozione alla verità del momento.

Pensi che la fruizione di immagini dal web
abbia portato cambiamenti nel linguaggio
e nell’estetica della fotografia?

Le immagini sono ovunque, ma le buone fotografie
sono nei posti migliori.

Come pensi sia evoluto il linguaggio pubblicitario
negli ultimi decenni?

Purtroppo mi sembra che sia evoluto in peggio.
Salvo rare eccezioni, la pubblicità è diventata
il regno delle immagini iperboliche,
senza sentimento, quindi vuote e superflue.

Com’è composta la tua attrezzatura?

Scatto con varie macchine digitali, principalmente
reflex professionali Canon, e con una
Rolleiflex biottica a pellicola. Tengo a portata di
mano solo ciò che mi serve durante lo shooting,
nulla di più ma neanche nulla di meno.
Questo mi permette di ottimizzare il mio tempo
e di muovermi agevolmente sul set.

Per chi non avesse a disposizione uno studio
fotografico ma volesse cimentarsi nel
ritratto, che tipo di attrezzatura di base
consigli, senza spendere un patrimonio?

Per fare un ritratto non serve uno studio. Sarei
tentato di dire che non ci vuole nemmeno
una fotocamera, dovrebbe bastare uno
sguardo… Ma volendo tornare con i piedi
per terra e dare qualche indicazione pratica,
per iniziare suggerirei di utilizzare un obiettivo
abbastanza lungo e di impostare un diaframma
molto aperto, scattando alla luce naturale.
Generalmente, in ombra c’è sempre
una buona illuminazione e se portate il vostro
soggetto ad esempio nell’androne di un
palazzo, vi renderete conto che in quella situazione
ci sono già tutte le possibilità tecniche
per ottenere un buon risultato. Però, ripeto,
in questo tipo di immagini è importante
scattare con gli occhi, non con la macchina
fotografica.

I tuoi prossimi progetti?

Continuare a imparare, stare bene e divertirmi.
Non potrei desiderare altro per la mia vita.

FOTO Cult
August isssue
"Romanzo Minimale"
An Interview with Toni Thorimbert by Emanuela Costantini.

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A "vintage" Vasco for Vanity Fair. Photographed - some years ago - by Giordano Morganti and Toni Thorimbert.

2011-09-05T23:40:00.008+02:00

The cover: 1993. By Giordano Morganti

1993. By Giordano Morganti.

Las Vegas 1991, Torino 1996. By Toni Thorimbert.

Snaps from Vasco Rossi private album.

Rimini, 1985. By Toni Thorimbert.

Bella storia.

Thanks to Tania Sachs and Marisa Zanatta.

Vanty Fair Italia, in edicola fino al 7 Settembre 2011

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No Panic!

2011-09-03T19:51:00.005+02:00

Toni Thorimbert, 1974. Photographer unknow or totally stoned.

REWIND FAST FORWARD
Una mostra curata da Chico De Luigi con fotografie di Gabriele Basilico, Jacopo Benassi, Giovanna Calvenzi, Marcella Campagnano, Ando Gilardi e Toni Thorimbert.
SI FEST
Savignano sul Rubicone
da Venerdì 9 a Domenica 11 Settembre.

Qui sotto il programma degli incontri.
Come nella migliore tradizione NO PANIC non mancheranno ricchi premi, cotillons e qualche sorpresa, appunto, fuori programma ( Settimio...ci sei?)

Per le altre mostre e il programma completo del festival:
http://www.savignanoimmagini.it/

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August presents.

2011-09-03T17:36:00.012+02:00

Lisetta Carmi

Lisetta Carmi photographed by Toni Thorimbert. Cisternino, 28/08/2011

Un incontro bellissimo, un privilegio.
Lisetta Carmi è stata una grande fotografa ma anche molte, molte altre cose.
Pianista di grande talento, Discepola prediletta di Babaji, fondatrice dell'ashram di Cisternino.
Una persona illuminata.
Da ragazzo, mi ricordo il suo libro sui travestiti scattato a Genova, negli anni sessanta. Una grande ispirazione.
Cose davvero mai viste per l'epoca, di rottura.
Grande reportage. Sensibilità, amore.
Realtà svelata.

L'ho fotografata perchè Giovanna Calvenzi scriverà, ed è proprio un bene, un libro su di lei.
Abbiamo parlato - lo ha fatto sopratutto lei - e poi mi ha regalato, tra le altre grandi e piccole cose - tutte preziose - questo volume di cui pubblico qualche pagina:

Genova, Teatro Duse. 1963.

Ezra Pound, 1966

I travestiti, Genova. 1965/1971

Porto di Genova, 1964

Babaji, 1979

To know more about Lisetta:
http://www.youtube.com/watch?v=90m7er5RVYk

Cosmo Laera
Alla fine sono riuscito ad averlo.
Un piccolo ma ambito libro stampato in edizione molto limitata.
Si chiama "Incontri".
Sono ritratti di fotografi, di critici, di curatori di fotografia.
Un piccolo grande mondo fatto di amici, di stima, di orecchiette e Leicas.
Sono i ritratti che Cosmo ha fatto, nel corso degli anni, a tutti noi che abbiamo la fortuna di essere parte della sua vita.

Gianni Berengo Gardin, in copertina.

Francesco Cito, Joel Peter Witkin.

Antonio Biasiucci, Jean Marc Tingaud.

Mario De Biasi, Guy Le Guerrec.

Marc Riboud, Leonard Freed

Toni Thorimbert, William Klein.
( questo accostamento...wow, un regalo nel regalo!, grazie Cosmo)

Cosmo Laera, fotografo, critico, curatore di mostre fotografiche, si dedica da sempre a promuovere la cultura della fotografia d'autore al sud.
E'sposato con Antonella Pierno docente all'Accademia di Brera, a Milano.

Here below:
Cosmo Laera and Maurizio Galimberti. Alberobello, August 2011.
Photographed by Toni Thorimbert.

Martina Bacigalupo, L'Internazionale.

Anche questo un piccolo grande regalo d'Agosto.
Martina Bacigalupo è una giovane, e bravissima, fotografa-artista-reporter che lavora spesso in Africa.
L'Internazionale ha pubblicato quest'estate delle foto che Martina ha trovato in uno studio fotografico di Gulu, in Uganda.
In questo studio, per fare le fototessere, che devono essere di piccolo formato, in mancanza di un apparecchio fotografico dedicato, fanno la foto del soggetto per intero e poi ritagliano solo il viso. L'effetto è davvero interessante e Cristian Caujolle, che scrive di fotografia come Eric Clapton suona la chitarra si dedica ad una colta ma spassosa dissertazione sulla faccenda.
Mentre scrivo questo post, però un dubbio mi viene: ma non è che siamo usciti pazzi?
In occidente abbiamo veramente fatto il giro: 360 gradi.
In piena decadenza techno-identitaria andiamo a rovistare nelle spazzature dei fotografi africani per trovare immagini che - secondo noi - sono fantastiche perchè non mostrano quello dovrebbero mostrare...ahiahiahi...

Più o meno a questo proposito ecco un'altro regalo d' Agosto:
La vetrina del fotografo locale di Cisternino, Puglia.
Gli sposi tricolori a me piacciono.
Mi divertono proprio. Bello.

Vacanze finite, direi.
Bentornati al lavoro ragazzi.

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Riders, the August issue.

2011-09-03T15:58:00.010+02:00

Se mollate il computer adesso e correte di sotto all'edicola forse lo beccate ancora. Per il numero di Agosto di Riders, tutto molto bello per la verità, ho scattato queste tre storie:

Lauren Vickers e Randy De Puniet.
Lui è pilota in MotoGP, lei è la sua fidanzata, modella, ex coniglietta.
Li ho fotografati mentre amoreggiano - non tanto per finta - nel loro motorhome, parcheggiato nel paddock di Jerez de la Frontera.

Qui sotto, scattate da Stefania Molteni un paio di immagini dal backstage:

Per scattare questo servizio mi sono ampiamente rifatto alla mia esperienza come fotografo per Duepiù, un giornale che educava al sesso e alla vita di coppia gli italiani della fine degli anni settanta. Vendeva bene ed era ben fatto. Ci lavorava Will McBride, un grandissimo.
Facevamo foto di ragazzi e ragazze che facevano l'amore.
E dai e dai, lì ho imparato a stare molto vicino, insieme, direi - dentro - all'intimità delle persone e a non spezzarla mai con la mia presenza o con il "click" della macchina fotografica.

Marcos Hirsch.
Il preparatore fisico - e mentale - di Jorge Lorenzo.
Titolo, faccia - e fisico - da dieci e lode.

Abnormal cicles.
Un ferro. Tosta.
Se sbagli strada, dimenticati l'inversione, perchè - sostanzialmente - non sterza.
Non per tutti, quindi mooolto affascinante.

Qui sotto il backstage scattato da Giorgio Serinelli:

Riders
August issue.
Photo editor: Stefania Molteni.

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August=Holidays

2011-07-31T21:09:00.006+02:00

Cisternino, Puglia, Italy. 8.45 PM
This is from were I am writing the last post of July.
The blog will continue, as usual, in September.
Thanks and Love to all!
TT

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The interview: Lady Tarin, photographer, artist.

2011-07-31T19:54:00.011+02:00

Lady Tarin photographed by Toni Thorimbert, 2011.

T.T: Ciao Lady, come e perchè hai iniziato a fotografare?

LT: Ho sempre fotografato, la mia prima macchina è stata una polaroid. Ho approfondito la tecnica del bianco e nero durante gli studi all’Accademia dove realizzai una serie di immagini sul nudo maschile. Mi resi conto che era il mezzo espressivo con cui desideravo comunicare, mi appassionò più del disegno, più di ogni altra tecnica.

T.T: Sei conosciuta specialmente per le tue foto di nudo o comunque per la carica erotica delle tue immagini e delle tue donne. Come sei arrivata a questo soggetto?

LT: Mi interessa ritrarre un ideale di donna potente e sensuale, padrona del proprio destino, facendo un’operazione contraria a quello che avviene di solito. Invece di truccare, pettinare e vestire una donna, la spoglio lasciandola naturale, senza orpelli esterni. Cerco la potenza nella sua essenza, l’erotismo nella sua radicalità, come forza e non come apparenza.

T.T: Come scegli le tue donne?

LT: Devo sentire che quel potenziale è già presente. Posso esaltare, non inventare la donna che ho di fronte. La bellezza esteriore è un gusto personale, un insieme di carattere e aspetto fisico che mi interessa tradurre in immagine.

T.T: Come arrivi al tuo risultato? come organizzi e sviluppi – generalmente - un tuo set?

LT: Ho appena concluso un progetto durato circa 3 anni, esposto nella galleria Le Dictateur e pubblicato nel libro omonimo. Ho fotografato le ragazze a casa loro circondate dagli oggetti della vita quotidiana, l’atteggiamento è seducente e naturale. Utilizzo la luce ambiente per mantenere l’atmosfera del luogo. Siamo solo io e la ragazza. Decido sul momento se utilizzare la pellicola in bianco e nero, il colore o la polaroid.

T.T: In che modo il fatto di essere una donna ti aiuta - o ti serve - per ottenere il “tuo” risultato ?

LT: Fra donne si instaura un feeling diverso Socialmente armiamo più difese di fronte a un uomo, siamo più costruite, posiamo di più. Il contatto che si crea fra donne è di maggior empatia, possiamo diventare l’una lo specchio dell’altra, il mio erotismo si unisce al suo nella finalità dell’ ’immagine che andiamo a rivelare. Questo crea una grande libertà nella ragazza che fotografo perché capisce che il mio fine si sta realizzando in quel momento.

T.T: Le donne che fotografi piacciono moltissimo- quasi disperatamente- agli uomini. Ti sei mai chiesta il perchè? Non ritieni che il tuo sguardo su di loro si possa definire “maschile”?

LT: Al contrario, credo che gli uomini siano attratti perché sentono il feeling fra due donne, la rivelazione dell’erotismo senza consumazione. L’uomo, spesso, non formalizza esteticamente l’erotismo, lo consuma solo.

T.T: Le tue modelle si piacciono nelle tue foto?

LT: Si molto, e si riconoscono.

T.T: Consideri le tue fotografie dei “nudi” o dei “ritratti”?

LT: Dei ritratti amplificati dall’intensità e verità del nudo. Il corpo esprime la nostra storia. Mentre nella quotidianità tendiamo a portare in giro un atteggiamento più o meno conforme.

T.T: Nelle tue foto le ragazze non sono quasi mai completamente nude. In che modo gli abiti sono funzionali alle tue immagini e alla loro carica erotica?

LT: È una scelta che avviene sul momento, è sempre per un fine estetico ed emozionale.

T.T: In che modo usare la pellicola, invece che la tecnologia digitale, influenza il tuo risultato?

LT: L’utilizzo della pellicola focalizza quello che per me è il momento più importante: la ripresa. Col digitale l’attenzione è spostata sulla postproduzione, non siamo più solo io e la ragazza, c’è photoshop, una presenza ingombrante. Ma la ragione principale è un’altra. È la resa della pelle del corpo su un supporto fisico. È la texture. Il digitale ha una natura virtuale che si allontana per definizione dalla realtà.

T.T: Qual’è lo scopo delle tue immagini, quale credi sia la loro più congeniale collocazione? Hai progetti in questo senso?

LT: Continuare la mia ricerca personale e estetica. Individuare quello che sono attraverso la realizzazione delle immagini. Ritrovarmi e rivelarmi attraverso la donna che fotografo.

T.T: Cosa diresti di Irina Ionesco?

LT: Ha costruito un vero e proprio teatro per rappresentare la sua idea di erotismo, l'esatto contrario di ciò che accadeva negli anni '70. Immagini claustrofobiche ed inquietanti. Alcune molto erotiche.

T.T: David Hamilton?

LT: Amo molto il suo lavoro in bianco e nero e trovo bellissima la scelta dei soggetti.

T.T: Terry Richardson?

LT: Lo ricordiamo sempre per il lavoro a colori col flash sparato a mille, ma sono bellissimi anche gli scatti in bianco e nero senza flash. Rimane il fatto che Il suo è un punto di vista solo maschile, è un grandissimo fotografo, ma mi è davvero impossibile riconoscermi nelle sue immagini.

T.T: Helmut Newton?

LT: E’ Il mio ispiratore. Nel suo lavoro, l’immaginario maschile e femminile sono tesi alla ricerca dell’immagine erotica per eccellenza. Penso che la presenza della moglie June sia stata importante per questo scopo, si sente costantemente. Credo sia stata una grande unione la loro, sentimentale e professionale.

All pictures copyright by Lady Tarin.

To know, and see more:
www.ladytarin.com

Lady Tarin is represented by
www.roomarte.com

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Berlin!

2011-07-24T23:55:00.014+02:00

Sono stato a Berlino un paio di giorni, a trovare mia figlia Diana, il suo fidanzato Matthias, e la cagnetta (!) Eggy.
Peccato perchè sembrava Dicembre: Freddo vero, pioggia a dirotto. Motivo per il quale non sono stato molto prolifico con le foto.

Comunque, qui sotto la foto di famiglia in stile "Sartorialist", o quasi.

Questo qui sotto invece è il grande Blu. Lui è davvero un artista-brand ormai.
E' potente. Lo riconosci subito. Ma sopratutto è ovunque nel mondo. Di tipi con l'orologio d'oro a mò di manette ce ne sono - per esempio - di molto simili al centro sociale di Scandicci. E' come quando in una città straniera vedi un negozio di Luis Vuitton - sai per certo che sei arrivato in centro - quando vedi Blu sei - o in periferia, o nella zona cosidetta "giusta"-. Insomma ti fa sentire a casa.

Oh, invece qui sotto - non avendo scattato un bel niente questa volta - ho tirato fuori qualche pagina scelta da tre servizi fotografati a Berlino qualche anno fa:

Mondo Uomo: 1990 (Scattato a due, tre mesi dalla caduta del muro, Novembre 1989)
Ritratti di artisti, architetti e creativi berlinesi.
In uno di questi scatti si vede che siamo su un tetto. Dava su una zona di loft industriali. Lontano, dietro un finestrone si stagliava una sagoma. Era Wim Wenders, inconfondibile. Sarebbe stata una super foto, ma purtroppo mi scappò.
Molto, molto Berlino però!

Comunque, a questi artisti, oltre a mettergli su una giacca delle nostre, avevamo chiesto cosa pensavano del muro. Mi ricordo che mi ero molto arrabbiato con Flavio Lucchini, allora direttore del giornale, perchè aveva messo le risposte sulle foto come se fossero fumetti.
Col senno di poi mi pare che ci stanno bene invece, che aggiungono sicuramente qualcosa alle foto.

Qui sotto, ancora 1990, Myster. Mensile maschile della Condè Nast, diretto da Paolo Pietroni.
Sempre ritratti, ma questa volta i modelli li avevamo trovati attraverso annunci messi su giornali e fanzines locali.
Molte ragazze dall'Est. facce fortissime, significative.
Paola Artioli era la Fashion editor. Volevamo ricreare qualcosa di teatrale, cinematografico. Volevamo che i nostri modelli fossero come gli attori di un grande affresco Berlinese. Noleggiammo un loft come studio.

A me Berlino Est piaceva molto. Non ci avrei vissuto, credo, ma esteticamente era bellissimo: Niente manifesti pubblicitari, niente bar con ombrelloni Coca Cola.
I negozi erano basici: In un'alimentari vendevano un panetto di burro con scritto: "burro", un cartone del latte, un pacco di biscotti.
Non c'erano diverse marche. Solo le cose. Era riposante.

1996, GQ Germany.
Il muro era caduto da un pò e Berlino stava diventando "cool". Fervevano le opere per farla diventare capitale. Grattacieli e tutto quanto.
I tedeschi però non erano tutti contenti.
Quelli dell'Ovest pagavano tasse salate per l'unificazione.
Qui scattavo alla New National Gallery di Mies Van Der Rohe.
Dopo questo servizio - Driiin - mi chiamò Wallpaper.
Gli era piaciuta quella delle scale, dall'alto. "Ci piace il tuo punto di vista" mi dissero, e incominciai a lavorare - e viaggiare - per loro.

Qui sotto torniamo invece ai giorni nostri.
A Berlino non potevo mancare la Fondazione Helmut Newton, chiamata anche "Museo della Fotografia".
Rubate malamente e poche le mie foto, perchè dentro è vietatissimo farle e ti corrono proprio dietro.
Mi ha fatto pensare ad Assisi, ci siamo stati qualche tempo fa: -"Può entrare il cane in chiesa?"- "No, assolutamente", ma non era San Francesco quello degli animali? vabbè, comunque si capisce, se tutti fotografassero qui sarebbe un casino.
Perchè mi dilungo? Perchè la Fondazione Newton è un posto particolare, non facile da raccontare. Ci provo: Il posto è bello. "molto Newton" sia fuori che dentro. Specialmente dentro: Grande scalone, tappeti rossi e in cima i "Big Nudes". Wow, sembra il paese di bengodi. Vai su e c'è la mostra principale. 300 Polaroids di Helmut Newton scansite e ingrandite. Cammini lungo i muri recitando un mantra: Era un genio, era un genio, era un genio.

Saletta di proiezione. Film documentario, mai visto prima, molto interessante. Simpatico Newton, e June sempre qualche metro indietro ma moooolto presente.

E così, sei dentro già da un paio d'ore e sei bello pieno, ma il bello deve ancora venire. Altra saletta: Un portfolio di stampe vintage numerate e firmate. Le sue foto più belle, più famose. Viraggi al selenio. Raccoglimento, silenzio. Poi, cosa c'è su? Terzo piano: Un'enorme retrospettiva di una fotografa-reporter degli anni settanta, che Dio mi perdoni ma non ricordo assolutamente come si chiama. Bel lavoro, ma - il trucco - sarebbe andarci direttamente, senza passare da Newton, altrimenti è impossibile apprezzarla come meriterebbe. Ma non è finita, anzi. Torniamo al piano terra: "Helmut Newton Private Property", bene, andiamo a vedere: Una sagoma di Helmut ti accoglie. Altezza naturale, anzi un pochino più alto. l'effetto è forte perchè ti guarda entrare mentre lui svetta sorridente tra i visitatori ( mi spiace, niente foto). Molto forte, la ricostruzione, vera, del suo studio, con i suoi mobili, le sue macchine fotografiche, la sua famosa cintura con la scritta Newton, una bacheca con una ciocca di capelli, diverse paia di occhiali, i suoi libri di fotografia, un'altra enorme bacheca di vetro con dei manichini con i suoi vestiti e sullo sfondo, gigantografie che ritraggono Newton vestito proprio con quei vestiti lì, un'automobile assurda, (mi spiace, no foto) fatta costruire apposta per lui da Italdesign, e poi, i fax ricevuti da June il giorno della sua morte e mandati da VIP stellari, stilisti, direttori di giornali, i posters firmati di tutte le sue mostre e decine di monitors dove scorrono altri filmati e backstages e ritagli di giornale da tutto il mondo...Aiuto!

Ripassiamo davanti alle donne nude, che ormai odiamo, ma il bar è momentaneamente chiuso - ormai sono disidratato - Ci sono però i souvenirs: specchietti da borsetta con foto di Newton, fermacravatte, occhiali, orologi, il tutto in vendita al bookstore. Vediamo questo bookstore: Piccolo, caldissimo, pieno di gente, ma anche pieno raso di libri bellissimi e mai visti, di fotografi mai sentiti prima ma bravissimi e poi di tutto: Riviste, fanzines libri rari, libretti e libroni. Febbrile ricerca di tutto. Incredibile, uno dei meglio bookstore che abbia mai visto, ma ormai sono allo stremo. E' davvero tutto bello, troppo bello, forse un pò troppo.

Finalmente siamo fuori. Aria. Taxi! Bacio mia figlia e vado all'aereoporto.

Aspetto l'imbarco con un thè. Meno male c'è il mio amico Keith, è un pò che stiamo assieme,- lui ha un sacco di cose da dire - Una vera scoperta. Mio fratello, più grande di me, dettava la linea politico-musicale della famiglia Thorimbert negli anni settanta ed era un fan dei Beatles, quindi, niente Rolling Stones. Ma ora comincio a capire cosa mi sono perso. Insomma che siate ex drogati o ancora tossici, chitarristi o no - fotografi va benissimo - consiglio vivamente di passare l'estate con Keith. Lui è veramente pazzo, ma geniale.

To know more:
Fondazione Helmut Newton
Berlino

Keith Richards
Life
Feltrinelli editore

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Slinkachu

2011-07-24T18:52:00.005+02:00

Chissà perchè, tra tutti i libri – senz’altro più “pesanti” - che potevo comprare alla libreria della Fondazione Newton me ne sono uscito con questo libretto così piccolo e leggero , ma che, a ben guardare, proprio leggero leggero non è...
Slinkachu, questo è il nome dell'autore, incolla per terra dei personaggini - tipo quelli dei trenini - non so se sono proprio quelli e se lo sono li modifica - per creare delle mini-scene, spesso inquietanti, che poi fotografa.
Sono sempre stato affascinato dalle proporzioni sfasate, Helmut Newton ci ha lavorato molto - mi ricordo la foto di un uomo, in tuta nera da sub, grandissimo, fotografato con una modella molto molto piccola etc - e ricordo che al tempo in cui, adolescente, disegnavo fumetti avevo impaginato una storia del genere: Gente piccolissima che viveva una vita durissima in un universo dimensionale parallelo che noi, "normali" , neppure vedevamo.
Una metafora molto interessante che sicuramente si può applicare a molte situazioni...Fors’anche una metafora della mia condizione psicologica all’uscita dalla Fondazione. Dopo 300 foto di Newton ed un intero film su di lui, può essere che ci si senta un pò...piccoli...

Molto divertente l'introduzione di Slinkachu. La traduco:

Poliziotto: Mi scusi, signore, cosa sta facendo?
Slinkachu: Oh..er..sto incollando questi piccoli personaggi di plastica.
Poliziotto: Eh?
Slinkachu: Eh..si..è una cosa artistica...diciamo che...faccio foto di questi piccoli personaggi. E poi li lascio qui.
Piliziotto: Oh, ah...carino, Mi scusi sa, ma pensavo che stava sniffando colla, abbiamo un sacco di questi problemi qui intorno.
Slinkachu: Eh be, si..
Poliziotto: bhe questo è veramente carino, ah...una macchinina, bellina, a mio figlio piacerebbe molto.
Slinkachu:Si, bhe..è una piccola prostituta. E il cliente, nella macchina.
Poliziotto: ...oh...oh, vabbè, vada pure avanti.
Slinkachu: Er..ok, grazie...

Tutto il libro è fatto così: la pagina di sinistra contiene la foto grande, dove si vede il contesto in cui sono piazzati i personaggi

mentre nella pagina a destra c'è la foto scattata da più vicino.

"Little people in the city"
The street art of Slinkachu
Foreword by Will Self
Edited by Boxtree

To know more:
http://www.flickr.com/photos/40878105@N00/

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Le Dictateur

2011-07-16T11:46:00.009+02:00

Donald Thompson, nel suo brillante saggio “Lo squalo da 12 milioni di dollari” piazza Maurizio Cattelan al 21° posto nella lista dei 25 artisti contemporanei più importanti.
Ma il 21° posto non deve trarre in inganno: prima di lui ci sono, tanto per dire, Jasper Johns ( al primo posto) Andy Warhol, Josef Beuys al settimo, Bacon e Freud, Jeff Koons al tredicesimo , Murakami, Tapies.
Dopo Cattelan, Gursky (unico, diciamo...fotografo) e al venticinquesimo Basquiat.
Come c’è arrivato Thompson? facendo una media tra liste redatte per lui da critici, galleristi ed esperti, tenendo conto dei record d’asta, ma anche basandosi sulla citatissima affermazione di Walter Sickert che sosteneva, già nel 1910, che l’importanza da attribuire agli artisti si trova nella risposta alla domanda: “Hanno realizzato cose tali che sarà impossibile d’ora in poi, per quelli che li seguiranno comportarsi come se essi non fossero esistiti?”
Pausa.
Esterno sera. Milano. Via Nino Bixio. Le Dictateur. Solid Sweat. Inaugurazione, performance, fotografia, arte.
Cioè, Cattelan, Ferrari, Pepe, Presicce, Vascellari.
Nomi che hanno un certo peso.
Spero nessuno se ne abbia a male, ma il primo pesa come un macigno.
Il “crowd” somiglia molto agli artisti.
Un frigo bar con delle birre. Open bar. Lo apri e le prendi.
Incontro Pier Paolo Ferrari. Non ci conosciamo, ma ci conosciamo.
Mi illustra la sua opera. Siamo in una piccola stanza nera: dall’alto si proiettano le immagini di un inquietante personaggio avvilluppato in un sudario e sdraiato su una lastra di marmo tanto da sembrare un bassorilievo. Mentre mi spiega, ogni tanto Pier Paolo scappa dietro la tenda per far partire una macchina del fumo Rosco. Parliamo di cose da fotografi. Scattate in pellicola. Comunque sono belle. Anche belle le sigarette di Pepe. Pepe è “Le dictateur”, il motore di questo spazio-evento e della rivista omonima che viene pubblicata in tiratura limitata.
In uno statement- manifesto trovato su Internet parla del progetto:
...“Le Dictateur è la massima espressione del dominio della volontà personale”...
...“La libertà di scelta e di movimento è fondamentale. Per certe cose la democrazia non serve, anzi depotenzia in misura proporzionale alle persone che decidono”
In questo senso per mantenere alta la vitalità della propria creazione, bisogna che sia il più personale e soggettiva possibile. Che non sia stata sottoposta al vaglio di consigli, suggerimenti, votazioni, amputazioni.
Le dictateur è una figura che esercita il potere anche per una sorta di filantropismo: le persone vogliono ribellarsi al principio di autorità ma poi, se qualcuno si fa carico delle decisioni, sono più contente e tranquille.

Non so bene cosa pensare, comunque la grafica del catalogo è sua ed è bellissima, non mi viene voglia di ribellarmi neanche a me.

L’arte contemporanea ha il pregio di mettere in questione ciò che diamo per scontato.
E così me ne torno a casa , come è giusto, un pò dubbioso.
Ma i miei dubbi, o le mie riflessioni, sono legate a ciò che ho visto? O a quello che non ho visto?

Nella fruizione dell’arte chi è il vero dittatore?
Lo spettatore, come sosteneva Bonami in occasione della sua Biennale, o il mercato? L'autonominato, e credo, autoironico "dittatore" Federico Pepe o il celebrato "brand" Cattelan?
In che modo possiamo “partecipare” l’arte, in un mondo che pare dominato dal vento della dittatura?

Secondo Thompson - ma non è detto che sia vero- c’è un’arte decisiva oggi: Pena l'oblio, saper fare tutte le mosse necessarie per diventare un "artista-brand".

Solida Sweat, la copertina del catalogo con la grafica di Federico Pepe.

Le Dictateur

Dietro le quinte della performance di Luigi Presicce.

A destra, Luigi Presicce

The crowd
Qui sotto due immagini dal lavoro di Federico Pepe.

Pagina di Vascellari dal catalogo.

Qui sopra: L'opera di Cattelan e Ferrari esposta come una carta da parati in galleria.

Qui sopra: L'opera vista in catalogo.
Qui sotto: Pier Paolo Ferrari sul catalogo.

Qui sotto: Uno scatto fatto mentre l'opera di Ferrari va in dissolvenza.

Qui sopra: Pier Paolo Ferrari fotografato da Toni Thorimbert.

To know more: http://ledictateur.it/

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Francesca, for Riders magazine.

2011-07-11T00:57:00.007+02:00

Ci sono servizi che hanno una lunga gestazione. Questo è stato uno di quelli.
Con Stefania Molteni, photo editor di Riders, avevamo idee abbastanza diverse su come doveva essere la "donna Riders". Cioè, lei lo aveva abbastanza chiaro, io ci ho messo un pò a capirlo, poi ci sono arrivato.
Quando l'ho capito non ho mai avuto dubbi sulla modella: Ci voleva la Francesca.
La storia, scattata nei dintorni di Mantova si chiama "La femme naturale".

Qui sotto un backstage - un pò sui generis - scattato un pò da tutti noi con vari mezzi.

"La femme naturale"
Riders magazine
July issue.

Photographed by Toni Thorimbert.

Photo editor: Stefania Molteni.
Model: Francesca Cortevesio.
http://www.francescacortevesio.eu

Backstage photography by Claudio Rizzolo, Stefania Molteni and Toni Thorimbert.
Thanks to Roberto Rossi, Mantova

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Claudio Rizzolo

2011-07-04T00:25:00.004+02:00

E' dell'Ariete. Prima fa, poi pensa.
Ora è un pò cambiato.
Claudio Rizzolo è stato il mio assistente per un anno e mezzo.
Ora è tornato da dove era venuto. Barcellona.
Mi mancherà.
E' arrivato pettinato in un modo assurdo. vestito in modo assurdo, gobbo.
Pensava cose assurde.
Nella sua vita ha anche fatto tante cose assurde.
Tra quelle che si possono dire: Il body builder. Il camionista. Guidava i TIR, mica i furgoni. Guidava anche la moto, ginocchio a terra, ma per strada, mica in pista.
Ancora oggi non può avere una carta di credito, lascerei proprio perdere il perchè.
Come certi cavalli di razza capitati per anni nella stalle sbagliate aveva perso il senso delle andature: scalpitava, poi trottava. Si fermava di colpo e poi, BUM !, un galoppo alla cazzo.
Ti faceva venire il mal di testa solo a guardarlo.
A Milano divideva casa con dei cinesi, in viale Zara.
Però tanta voglia di imparare. Credo che la fotografia è stata una specie di riscatto.
Ci ha messo un pò. Faceva già il giro veloce. Doveva limare quei due tre secondi. Sono quelli più difficili.
L’ho fatto girare alla corda. L’abbiamo strigliato, pettinato, abbiamo corretto la posizione delle spalle, ogni giorno abbiamo fatto un pò di lavoro. Non grandi cambiamenti, solo la cosa giusta, ogni giorno.
All’inizio scalciava, poi ha incominciato a girare per bene, ha disteso il corpo, è diventato armonico.
Ha raddrizzato le spalle, ha iniziato a guardare le persone negli occhi.
Sapeva già fare tutto, aveva solo perso qualcosa di se, lungo il cammino.
Io credo che lo ha ritrovato: In effetti, è ancora pettinato in modo un pò assurdo, però adesso gli stanno bene così.
E' Claudio Rizzolo, quello vero.
Uno dei migliori assistenti che abbia mai avuto.
Una delle migliori persone che abbia mai incontrato.

Top: Claudio Rizzolo photographed by Toni Thorimbert in Scotland, 2011.

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In memory of Danilo Frontini

2011-07-03T23:03:00.003+02:00

Stava lì col Porsche, figo.
Inizio degli anni ottanta.
Me lo ricordo benissimo. Stava lì con altra gente vestita da Dio all’incrocio della Mondadori, a Segrate.
Fotografo di moda, sole crescente.
Passo e mi fermo allo stop. Col Garelli tre marce. Secondo voi mi era simpatico?
E invece Danilo era un grande. Tipo regolare. Non se la menava. Dopo ci siamo conosciuti. Per un periodo stavamo nella stessa agenzia. La Lupo, era della sua compagna di allora, Laudomia.
Con me faceva un pò il fratellone grande, però andavamo d’accordo.
Negli anni l’ho perso e rivisto più volte.
Nei grandi studi, naturalmente, ma anche in posti un pò assurdi: la mensa di Cinecittà, o a Ouarzazate, alle porte del deserto, in Marocco.
Ecco, la polaroid che pubblico è fatta lì. Se non ci siete mai stati, Ouarzazate è bellissimo. Non c’è (quasi) nulla, e arrivarci...è lunga.
C’è un albergo e poi il deserto. Deserto di sola sabbia, dune, e ogni tanto degli altissimi, massicci portali di ferro infilati lì, surreali: Non possono chiudere, o cingere nulla, perchè sono soli in mezzo al nulla.
Ecco, se il paradiso dei fotografi esiste, me lo immagino un pò così, un grande spazio infinito, vuoto, con una luce bellissima.
Ciao Danilo, ci rivediamo lì magari.
Tu avrai una Porsche incastonata d’oro e brillanti, e parleremo di corse di moto e di bambini perchè so che ti piacevano molto, e magari io ti farò provare il mio Garelli “celeste” che va a duemila.
E ci faremo un’altra foto come questa.

With Danilo in Ouarzazate. 1989. Photographer unknown.

Per saperne di più:

http://archiviostorico.corriere.it/2011/giugno/28/fotografo_moda_incantato_dai_bimbi_co_7_110628042.shtml

Some random inspirations from a museum tour.

2011-06-26T23:12:00.004+02:00

Mimmo Paladino.

Umberto Boccioni.

Fausto Melotti.

La "montagna di sale", di Paladino, vista dal museo del '900. l'opera è ancora in restauro dopo i vandalismi subiti per mano dei tifosi del Milan.

Il riflesso della struttura al neon di Lucio Fontana e il Duomo.

"Lasciate una traccia del vostro passaggio" Franco Vaccari.

Giuro che queste fotine, fatte di nascosto con l'Iphone, non hanno nessuna pretesa, se non quella di condividere il piacere dell'incontro con l'Arte e, per chi non le avesse ancora viste, stimolare la voglia di andarle a vedere di persona.

Mimmo Paladino
Palazzo Reale, Milano.
Fino al 10/7/2011.

Museo del Novecento.
Palazzo dell'Arengario, Milano.
Permanente.

Fuori! Arte e spazio urbano 1968/1976 fino al 4 Settembre
(all'interno del Museo del Novecento)

Click on the pictures to enlarge.

The pinhole photography in the words and life of Alessandra Capodacqua, photographer, artist.

2011-06-26T22:40:00.006+02:00

Puoi raccontarci le tappe del tuo percorso artistico e professionale e in particolar modo la tua passione per la fotografia “stenopeica?”

Ho ricevuto in regalo per i miei 18 anni una Canon AT1 dai miei genitori. Con quella macchina ho imparato a fotografare e ho cercato di dimostrare le mie capacità artistiche ai miei, dato che erano piuttosto restii. Pensavano che la fotografia mi avrebbe distratto dai miei studi. Dopo tante discussioni si sono però convinti e addirittura mi hanno dato il permesso di usare uno stanzino di casa come camera oscura. Un vero paradiso privato a cui avevo accesso solo io! Se torno indietro a quegli anni pionieristici mi intenerisco al pensiero di quei 3 metri quadri. Non avevo neanche un tavolo, perché il soffitto era troppo basso e le bacinelle le dovevo tenere per terra. Sviluppavo le mie fotografie inginocchiata e quando ero stanca mi sedevo, sempre rigorosamente per terra. Già a quei tempi potrei dire che praticavo una fotografia a basso livello…

Alla fine dell’università, a Napoli, avevo acquisito una buona pratica della fotografia, rigorosamente in bianco e nero, e una caotica e un po’ selvaggia conoscenza della sua storia. A quel punto mi sono trasferita a Firenze per respirare un’aria nuova. Avevo un lavoro come traduttrice che mi lasciava un po’ di tempo libero per approfondire la mia passione. A Firenze trovai anche un corso di fotografia un po’ atipico, tenuto da Luciano Ricci, un insegnante che aveva raccolto attorno a sé un gruppo di giovani provenienti da tutto il mondo. Ci incontravamo a casa sua e parlavamo di fotografia: Lui ci mostrava i libri dei maestri e ne discutevamo a lungo. Spesso lavoravamo in camera oscura e lui ci apriva le porte ai piccoli e grandi segreti per migliorare le nostre stampe. Insomma, una specie di piccola agorà dove ho imparato a lavorare per progetti e a difendere il mio lavoro con la forza delle idee. Una grande lezione.
Dopo due anni di questi incontri, ho aperto con tre amici un piccolo studio commerciale. Per diverso tempo ci siamo barcamenati nel difficile mondo della fotografia pubblicitaria e di ritratto. Se ripenso a quegli anni, vedo l’ingenuità del nostro progetto ma anche la voglia di imparare nuovi strumenti e mettere alla prova le nostre capacità. Sono uscita da quell’esperienza con una buona conoscenza della fotografia di studio e con una consapevolezza: non avrei mai potuto essere una fotografa commerciale.
E’ stato a quel punto che ho dato una svolta alla mia carriera. Ho abbandonato l’attività di traduttrice e ho cominciato a insegnare fotografia. Sentivo che era importante passare agli altri quello che avevo imparato e allo stesso momento avere del tempo per portare avanti i miei progetti personali.

Nel 1992 ho incontrato la fotografia stenopeica. Ed è stato un incontro fortuito e straordinario, una di quelle esperienze che segnano la vita in modo indelebile.
In quell’anno ho avuto dei problemi agli occhi. Ho avuto varie operazioni e per lungo tempo non sono stata in grado di vedere bene. Mi sentivo in una gabbia, tutto quello che fotografavo era sfocato, non riconoscevo quello che pensavo di aver visto, le inquadrature non erano quelle che avrei voluto. Mi sentivo in un vicolo cieco. E’ stato allora che mi è capitato tra le mani un piccolo catalogo di una mostra di fotografia stenopeica negli Stati Uniti. Quell’estate ho dedicato tutto il mio tempo libero a studiare quelle fotografie, la breve storia della fotografia stenopeica contenuta nel catalogo e le biografie e i racconti avventurosi di questi fotografi minimalisti. Mi è sembrato un miracolo poter costruire da me dei congegni che mi permettessero di fotografare senza che io avessi bisogno di inquadrare in un mirino o di mettere a fuoco. Insomma, sono passata in pochi mesi dallo stato di fotografa un po’ depressa perché scontenta delle sue fotografie sfocate a fotografa entusiasta delle sue fotografie “intuitive”. Indescrivibile l’emozione sorprendente dei risultati dei provini. Era come guardare quello che avevo pensato di fotografare arricchito di una serie di dettagli imprevedibili. Non solo era nata una nuova passione, ma nel giro di 6 mesi i miei occhi erano tornati perfettamente normali, lasciando i medici senza una spiegazione scientifica.

Ci puoi raccontare cos’è esattamente una fotocamera stenopeica?. Come funziona e come si costruisce e che tipi di “modelli” funzionano meglio o sono più diffusi?

La fotografia a foro stenopeico è un procedimento fotografico che sfrutta il principio della camera oscura. Al posto dell’obiettivo c’è un foro stenopeico (dal greco stenos opaios, dotato di uno stretto foro), generalmente praticato in una lamina di metallo sottile. La fotocamera con foro stenopeico produce immagini poco nitide, perché i raggi luminosi provenienti dal soggetto viaggiano in modo non lineare creando i cosiddetti “cerchi di confusione”. D’altra parte, questa poca nitidezza si estende a tutta la scena inquadrata, creando una profondità di campo illimitata.
È estremamente facile costruire una macchina a foro stenopeico, basta un contenitore a tenuta di luce, una lamina di metallo su cui praticare il foro e del nastro isolante nero per creare l’otturatore.
In commercio ormai ne esistono moltissimi modelli e praticamente per ogni formato di negativo. Le più pregiate sono costruite in legno e ottone, quelle più semplici in plastica.

Usi solo macchine stenopeiche?
Dal 1998 uso anche le cosiddette toy camera: Holga, Diana e tante altre. Da qualche anno ho iniziato a collezionare macchine di plastica e di bakelite che ho trovato in mercatini e su eBay. Sono tutte rigorosamente funzionanti e le uso per sfruttarne le diverse caratteristiche.

Scansisci le tue immagini e le manipoli via computer o le tue foto stenopeiche non subiscono nessun processo digitale?

Scansiono i negativi perché ormai è difficile trovare un laboratorio affidabile che stampi direttamente da negativo. Il mio intervento di post produzione si limita generalmente a una correzione del colore e minimi aggiustamenti dell’inquadratura. Il più grande insegnamento del foro stenopeico è stato per me imparare ad accettare le immagini che questo strumento mi propone.

Conosci altri fotografi che usano macchine stenopeiche? Esiste un gruppo? Un’associazione?

Alcuni anni fa insieme ad altri fotografi abbiamo creato l’Osservatorio per il foro stenopeico presso il MUSINF di Senigallia. Ogni anno, durante la “notte dei musei” a metà maggio il museo organizza una mostra e degli eventi collaterali dedicati alla fotografia stenopeica.

Cosa ritieni questa macchina abbia dato - più di una fotocamera tradizionale - alle tue possibilità espressive o alla tua poetica?

Come spesso ripeto ai miei studenti, il foro stenopeico mi ha insegnato tantissimo. Non solo mi ha aiutato a superare una fase difficile della mia vita, ma mi ha fatto soprattutto capire come accettare gli errori e soprattutto come trasformarli in un’attitudine positiva e creativa.
Nel mio lavoro vado alla ricerca di tracce e segni della memoria, piuttosto che di una fedele registrazione del reale. Non cerco di raccontare un luogo, un’emozione, una storia per immagini, preferisco interpretarlo seguendo un metodo intuitivo. L'uso di macchine fotografiche a foro stenopeico mi obbliga a riprese con lunghe esposizioni e mi permette di percepire la luce e il tempo che si depositano sull'emulsione sensibile. Per quanto riguarda l’arricchimento delle mie possibilità espressive, il foro mi ha permesso di avere un approccio più lento e meditativo nei confronti della fotografia. Senza dubbio i progetti che considero fondamentali nel mio lavoro - e sempre in progress - da quello sugli autoritratti a quello sui simboli e le icone, per citare i più importanti, hanno beneficiato del fatto che queste macchine hanno il potere di svelare dettagli, entità, percezioni invisibili nel momento in cui si fotografa, rendendo manifesto quel misterioso insieme di spiritualità e trascendenza che ci circonda.Questi strumenti low-tech mi hanno fatto esplorare livelli temporali ed emotivi prima sconosciuti, facendomi viaggiare attraverso le dimensioni multiple del tempo, delle emozioni, la tangibilità delle percezioni e l’ambiguità della visione.

To know more:
http://www.alessandracapodacqua.com

http://www.google.it/search?q=pinhole+photography&ie=utf-8&oe=utf-8&aq=t&rls=org.mozilla:it:official&client=firefox-a

Style magazine. Styled by Alessandro Calascibetta.

2011-06-20T01:09:00.003+02:00

Colore, multistrato. Il pane di Alessandro.
Un mix bellissimo da fotografare.
Come fondo ho messo una moquette molto scura, l'ho lasciata un pò cadere, così faceva delle pieghe e prendeva la luce.
L'avevo già riesumata recentemente per Io Donna, la moquette.
Come fondo mi è sempre piaciuto, l'avevo notato ai tempi - era il 1974 - in cui Marcella Campagnano, fotografa, femminista, scattava in casa sua le donne dei suoi "ruoli".
Potete cliccare questo LINK per dare un'occhiata.

Qui sotto invece due foto dal backstage. Un pò sbiadite, per la verità. Ma, a parte quando partiva il flash, di luce in studio ce n'era davvero poca.

Style
June issue
STAR IN VETTA
Styled by Alessandro Calascibetta.
Photographed by Toni Thorimbert.

Milano digital studios.

Backstage photography by Claudio Rizzolo.

This one is big: a book celebrates Dolce & Gabbana 20 years of men's fashion.

2011-06-20T00:46:00.004+02:00

Misura 40 centimetri per 28, è largo 6.
Incalcolabili le pagine, che hanno la costa d'oro.
Ci sono dentro le campagne pubblicitarie, i vestiti, alcune immagini da redazionali.
Ad un certo punto c'è una mia foto.
Mi avevano promesso che la avrebbe impaginata Fabien Baron.
Invece poi no.
Peccato, ero eccitato.

La mia foto, da Mondo Uomo, 1991.

Bello: spesso nel libro, l'abito e il suo "cartamodello"

ICONS
Dolce & Gabbana
1990 2010
Creative director: Luca Stoppini

Click on the pictures to enlarge.

Mamma mia! Ben "elbow" Spies for the cover of Riders magazine.

2011-06-12T23:23:00.006+02:00

"Mamma mia che mamma": Così inizia il pezzo di Moreno Pisto su Mary e Ben Spies.
E in effetti la mamma-manager è molto simpatica, ma - wow - tanta roba..
Americanissima. Lui un pò con il broncio, scocciato si guarda in giro cercando qualche scusa per non farle - le foto. ma non c'è scampo, anche perchè la mamma, alle foto - e al giubbino di Miu Miu - ci tiene parecchio.
Potenza della Mamma.

Riders magazine
June issue
Ben and Mary Spies.
Mother & son.
Photographed by Toni Thorimbert in Jerez de la Frontera

Backstage photography by Stefania Molteni

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The privilege to be a photographer: Vasco Rossi for the cover of Io Donna magazine

2011-06-05T19:09:00.007+02:00

Brutto, talmente brutto da non essere nemmeno fotogenico: L’albergo dove Vasco e la sua band prova i pezzi della prossima tournè è una specie di condominio giallo ocra in mezzo alle rotonde della provinciale che porta a Ferrara. C’è una piscinona, un bowling per bambini con i paperi alle pareti, ci sono tante stanze, o saloni dove - quel giorno è Domenica – della gente in tuta balla la “baciata”. Poi - in fondo - c’è la sala prove. Ci si arriva dal retro. Vasco scende dalla sua stanza e prende la Bentley per fare i venti metri che potrebbe fare comodamente da dentro l’albergo. Ma - è giusto - bisogna accontentare i cento fans che stazionano da ore accampati là fuori.

Comunque, portare a casa la copertina.
Come?, ma sopratutto: Dove?

Mi guardo in giro un pò sconsolato.
Maurizio (Varotti, direttore creativo di Io Donna. N.d.R) dice che no, il fondale non lo vuole mettere.

Gli piacerebbe il cielo, forse.

Ma il cielo oggi è difficile, troppo lontano.

Così è nata questa copertina “africana” di Vasco. A parte lui, non avevamo quasi niente, e quel niente era brutto: La moquette verde, una parete di laminato azzurro con i profilini di acciaio, un’amplificatore.

Luce, niente di che. Un flashino. Con Vasco non è che ti metti lì a costruire dei set. Però quell'angoletto con i cavi e il "Marshall" mi ha fatto venire in mente le foto di certi fotografi africani che amo molto: Malik Sidibè. Le foto che scattava nelle discoteche negli anni ’60. Il ballo. I gesti esagerati. Poi, Kwame Apagya che fotografa le persone davanti, o meglio - dentro- a fondali dipinti a mano che rappresentano, mediamente, le loro aspirazioni: Una casa con la TV e lo stereo, un ufficio con i computers e il cellulare. E poi gli autoritratti di Samuel Fosso: Di nuovo certi gesti, e quei fondali lì fatti di niente. Non "giusti".

Malik Sidibè

Philip Kwame Apagya

Samuel Fosso

Qui sotto il resto del servizio:

Fotografare Vasco è un’esperienza. Che ti lascia una vertigine, la stanza gira.
Lui è vero, e quindi, tutto quello che è farlocco con lui non funziona.
Per me, lui vive in una dimensione - tipo - ultraterrena.
Segue un percorso tutto suo.
Per fotografarlo lo devo seguire, accompagnare, precedere. Lo devo intercettare.
Non lo puoi fermare, almeno, io non ci provo e non lo faccio. Cerco di stare nel flusso dei suoi movimenti e delle sue parole e delle sue canzoni. Scatto come se facessi, io, parte di un suo piano, divento ritmo, pedina di un suo progetto.
Lui parla, canta, fuma, si muove sempre. Torna e va. “sono ancora qua, sono ancora qua” te lo sussurra, te lo canta, poi magari te lo grida. E' un gioco, una performance. E’ Rock e lo devi ballare, sono cazzi tuoi. Lui c’è per quel secondo. Devi fare in modo di esserci anche tu.
Ma non è mica stronzo. Anzi. Se ci sei, il primo a godere è proprio lui.

Qui sotto gli scatti dal backstage di Claudio Rizzolo:

Con Maurizio Varotti e Tania Sachs.

Vasco con Tania Sachs.

Per vedere il video dal backstage:
http://video.leiweb.it/dietro-cover-io-donna-vasco-rossi/31065e8c-8c33-11e0-a5d9-1c0fe19cff90

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She’s so cute! Jazz queen Esperanza Spalding for “Velvet” magazine

2011-05-30T00:10:00.006+02:00

Scattate nella suite di un albergo romano ormai qualche tempo fa, sono in edicola sul numero di Giugno di Velvet i ritratti della bella Esperanza.
Jazzista di spessore convalidata da Obama in persona.

Tipetto intrigante. Dal vero sembra ancora più bambina. Ma è decisa, precisa, e dà l'impressione di sapere esattamente cosa vuole e come arrivarci.

Qui sotto le immagini tratte dal backstage.

Il set, aspettando Esperanza.

Ancora aspettando Esperanza.

Esperanza Spalding

Velvet
June issue.

Photographed by Toni Thorimbert

Photo editor: Alfredo Albertone.
Styled by Elisabetta Dal Bello
Written by Alessandra Masu

Backstage photography by Claudio Rizzolo.

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La fantastique Tour Eiffel

2011-05-29T23:29:00.009+02:00

Dovrebbe essere pesantissima, anche come simbolo, ma ultimamente la Torre Eiffel non vuole stare ferma e la incontro, almeno in fotografia, nei posti più diversi. Vero è che in questo momento storico la Francia, anzi, Parigi, va forte. E la torre ne è l'immagine-simbolo più immediata. In questa ultima settimana me la sono trovata condita in diverse salse:

Qui sopra: Vanity Fair U.S.A. Questa ce la siamo studiata a lungo, io e il caro collega Benedusi, e abbiamo stabilito che no, la torre non è lì. Non è lontana da lì, ma non può essere lì. Anche la sua inclinazione, così pari al palo in primo piano, è sospetta. dato che è almeno al di là dalla strada, è mai possibile che la sua inclinazione risenta ancora così tanto della deformazione del grandangolo? Il sospetto, secondo me più che fondato, è che la Leibovitz ce l’abbia piazzata per riempire di “francesità” la troppo vuota pagina di sinistra. Niente di scandaloso, ma già che era alle prese con il "copia-incolla" forse poteva togliere la scritta delle toilettes.

Allora ci è venuta subito in mente un’altra inquadratura farlocca. Eccola qui sotto: Kate Moss nella campagna del profumo di YSL. Anche qui la torre svetta, ma non dov’è davvero, cioè qualche kilometro più in là, ma, precisa precisa, spunta tra la spalla e il parapetto, insomma, dove fa più comodo.

Per ristabilire un minimo punto fermo ho chiesto - inutilmente - a Benedusi, di recente tornato dalla Ville Lumiere, di mandarmi, se l'aveva, una foto che ristabilisse la verità e la reale proporzione delle cose, e in effetti nella sua Hipstamatic la torre è proprio lì dove dovrebbe essere, ma evidentemente questa benedetta torre, lei da sola, è troppo banale e quindi anche Settimio non ha potuto evitare di "spiazzarla" grazie ad un suo clone-cinese-portachiavi.

Poteva finire qua, ma a proposito di cloni e di cinesi, un paio di sere dopo, all’asta di fotografia della Fondazione Marangoni a Firenze ho incrociato Giovanna Calvenzi. “Ciao!, come stai? Hai comprato qualcosa?" chiedo io. "certo" dice lei.
Caspita! un’altra Torre Eiffel. Questa è in una foto di Andrea Di Martino scattata a Shangai. Infatti non è piazzata lì con Photoshop. E’ proprio fatta alla cinese: Costruita falsa-vera, senza remore.

Ps: Zero remore pure in Veneto, dove è stata scattata la foto qui sotto.
Me l'ha mandata il fotografo Beppe Calgaro il giorno stesso del mio post.

Altri suoi lavori, piuttosto intriganti, li trovate a questo link:

http://www.fratellicalgaro.blogspot.com/

Qui sotto invece un'altro link che svela - ahimè - i retroscena di una di queste foto:

http://www.youtube.com/watch?v=qvDXRzTajDY

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Alighiero Boetti Day

2011-05-25T10:01:00.002+02:00

Qui sopra: Pagina di apertura di "D La repubblica delle donne" dedicata all'"Alighiero Boetti day". A sinistra Alighiero boetti, Todi 1991, photographed by Toni Thorimbert.

"Alighiero e Boetti Day": Una maratona di 12 ore non stop dedicata al celebre artista, ideata da Luca Cerizza, Massimiliano Gioni e Francesco Manacorda, co-prodotta da Artissima e Fondazione Nicola Trussardi.
All'Auditorium della Rai di Torino, sabato 28 maggio dalle ore 12 si alterneranno una serie di conferenze, interviste, proiezioni, performance e presentazioni, per riconsiderare il lavoro di Boetti attraverso gli occhi di chi gli è stato e gli è vicino, grazie alla straordinaria partecipazione di artisti, storici dell’arte, critici, scrittori, musicisti, collaboratori e amici.

GIORNO PER GIORNO 2011

20-29 maggio 2011 | Torino e Piemonte

Dieci giorni di arte contemporanea dedicati ad Alighiero Boetti
Un progetto ideato e promosso dalla
Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT
nell'ambito di Contemporary Art Torino-Piemonte
con il coordinamento di Artissima.

Per saperne di più: http://www.teknemedia.net/archivi/2011/5/28/mostra/44219.html

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Michel Compte

2011-05-23T10:34:00.005+02:00

Appena entri c'è una stanza tutta tappezzata di provini a contatto: 135,120,10X12,20X25.
Ci sono i fotogrammi barrati, quelli scelti. Niente di nuovo, ma interessante.

Puoi "sentire" Compte al lavoro.

Celebrities, in gran parte.
Moda e assignements commerciali.

(Anche delle foto curiose di Clooney. Per una marca di caffè. Non così belle, si vede che quel giorno non girava.)

Poi c'è la mostra e le foto. Grandi stampe.
Il punto di fuoco, molto selettivo.
La grana della pellicola. Tutta la mostra è un inno alla pellicola, alla sua consistenza, alla sua texture, ma sopratutto a quel modo lì di fare le foto, quel doversi buttare, ad un certo punto, senza rete, quel cercare lo scatto vero, senza sapere se la foto c'è, o ci sarà.

Anni '90.

Un fotografo che fa le foto.

Bellissima mostra. Mi sono sentito a casa.

Michel Comte

Crescendo fotografico

Triennale di Milano - Galleria d'Arte
Viale Alemagna, 6
20123 Milano

From 10/05/2011 to 03/07/2011

To know more about Michel Compte:
http://www.michelcomte.org

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Photographer Vs. art director.

2011-05-23T09:23:00.006+02:00

Mi piace lavorare con un buon art director.
Ogni tanto stare dentro ad un progetto pensato da altri.
Mi piace condividerlo, avere una spalla. Mi piace anche essere una spalla.

Non tutti gli art sono uguali.

Un buon art lo riconosci perchè non si capisce bene cosa fa sul set.
Di solito non fa quasi niente.
In fondo, quello che doveva fare lo ha già fatto e quello che gli resta da fare lo farà.
Però se non sai più cosa inventare e ti guardi in giro, lui è lì, e ha un’idea (buona) pronta per te.

Se hai un’art, puoi essere finalmente “solo” un fotografo.
Ogni tanto è una figata.
Senza contare che alla fine gli dai un Hard disk con tutti i giga, e lui li sceglie.
E tu vai a casa, più leggero...

Siamo stati in Scozia con Silvio Artero a scattare un catalogo di moda e accessori.

In una cabina del telefono di Edimburgo a guardare gli scatti.

Cercando il "feeling" alla spiaggia di Sant'Andrews.

To know more about Silvio Artero:
www.artero.it

The photographs: Silvio Artero + T.T on location in Scotland.
May 2011, photographed by Claudio Rizzolo.

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Ssssssssst. Let's the images talk.

2011-05-16T01:01:00.009+02:00

Io Donna
"Independence day"
Styled by Silvia Meneguzzo
assisted by Ulrike Lang
Photographed by Toni Thorimbert

Model: Nadia Shapoval, Next.

Makeup: Roman Gasser
Hair: Michele Garziano

Shot at Toni Thorimbert studio.

Backstage photography Claudio Rizzolo.

Digital assistance and cameras: Walter Besola D4U
Set construction: Jacopo Lettenmayer.

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The exhibition: "Il corpo metafora di un'esperienza"

2011-05-09T01:32:00.003+02:00

Credo che questa sarà una bellissima mostra.
Basterebbero le foto dei domatori di iene di Pieter Hugo per giustificare i kilometri fino a Foligno.

Qui sotto il comunicato stampa:

Inaugura sabato 14 maggio presso il CIAC – Centro Italiano d’Arte Contemporanea di Foligno la mostra Il corpo metafora di un’esperienza, curata da Filippo Maggia e promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Foligno in collaborazione con la Fondazione Cassa di Risparmio di Modena e Fondazione Fotografia.

Tema centrale della rassegna è il corpo, inteso come filtro dell’esperienza che ogni autore vive quotidianamente e qui presentato in forma di immagini – fotografie, video installazioni, film d’artista – attraverso un percorso di oltre 100 opere provenienti dalla collezione di fotografia contemporanea della Fondazione Cassa di Risparmio di Modena.
Tra performance e documentazione, le diverse ricerche dei 23 autori in mostra - spesso tra loro radicalmente differenti - portano all’evidenza il complesso discorso sulla figura umana e la centralità che essa occupa nelle attuali pratiche artistiche.

L’elenco completo degli artisti in mostra comprende:
Philip Kwame Apagya (Ghana), Marika Asatiani (Georgia), Maya Bajević (Bosnia-Erzegovina), Yael Bartana (Israele), Alexandra Croitoru (Romania), Samuel Fosso (Camerun), Bob Gosani (Sudafrica), Pieter Hugo (Sudafrica), IRWIN (Slovenia), Július Koller (Slovacchia), Goddy Leye (Camerun), Pino Musi (Italia), Carmelo Nicosia (Italia), Anna Niesterowicz (Polonia), Chiara Pirito (Italia), Karolina Raczyńska (Polonia), Ene-Liis Semper (Estonia), Mladen Stilinović (Croazia), Mikhael Subotzky (Sudafrica), Toni Thorimbert (Italia), Guy Tillim (Sudafrica), Milica Tomić (Serbia), Artur Żmijewski (Polonia).

Qui sotto una delle mie opere in mostra.

Toni Thorimbert, UNTITLED, 2004

"Il corpo metafora di un’esperienza"

A cura di
Filippo Maggia

CIAC – Centro Italiano Arte Contemporanea
via del Campanile 13, Foligno

Inaugurazione:
14 maggio 2011, ore 11

La mostra resterà aperta fino al 12 giugno 2011

dal martedì alla domenica 10-13 e 15,30-19

Informazioni
Centro italiano arte contemporanea
Tel 0742 357035
info@centroitalianoartecontemporanea.it
www.centroitalianoartecontemporanea.com

"Riders" magazine: Andrea Iannone.

2011-05-09T01:07:00.006+02:00

Può non risultare simpatico, Iannone.
Poi l'ho visto, nel paddock della MotoGP a Jerez, guidava lo scooter come in periferia, coi gomiti alti, lo sguardo torvo e il collo proteso.
Allora siamo andati da lui, al tramonto, in cima al motorhome.
Abbiamo cominciato a fare "vrooaaammm", con la bocca. A far finta di guidare, a gasarci e a scattare.
Gli ho detto: "Dai cazzo, fammi la faccia di quando superi uno in rettilineo, magari all'ultimo giro" e lui ha fatto quella - meravigliosa - faccia lì. Una faccia proprio da schiaffi, appunto.
Per me, grandioso.

Riders magazine
May isssue
Andrea Iannone photographed by Toni Thorimbert.

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"Riders" magazine: La Barbourata.

2011-05-09T00:39:00.008+02:00

Che cos'è una Barbourata?
Un'invenzione di Roberto Ungaro, direttore di Riders, per ri-tirare fuori il giaccone Barbour dall'armadio dove forse era finito e passare una domenica tassellata in mezzo alla "fettuccia" parola che i regolaristi, o enduristi, santificano.
Le moto erano comunque bellissime, tutte rigorosamente vintage come molti dei loro piloti. Pane, salame e fango.

Qui sotto qualche foto dal backstage.

Notare la schiena eroica di Paolo Bergamaschi

Alla ricerca dei giusti dettagli di stile con Andrea Host Ivessich.

Sullo sfondo la famosa "fettuccia".

Uno strappo alla base: Roberto Ungaro alla guida, T.T. con sguardo un pò paranoico e Stefania Molteni, Photo editor.

La mia Canon, e il resto, dopo dieci minuti di moto con Ungaro...

Riders magazine
May Issue

Photographed by Toni Thorimbert

Backstage photography by Claudio Rizzolo.

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A selection of pages from "Max" magazine: The sport issue.

2011-05-09T00:14:00.005+02:00

"Max" magazine
May Issue
Styled by Carlo Ortenzi
Shot at the White studio, Milano.
Groming by Astor Hoxa.

Backstage photography by Claudio Rizzolo.

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5B4

2011-05-02T01:02:00.002+02:00

Un indirizzo di Facebook che consiglio.
Libri di fotografia. Semplicemente. Per ognuno alcune doppie pagine random.
Il problema è che li vorresti avere/comprare tutti.

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